FMX Festival de México

Earth en el Lunario

2011-09-09T11:19:00.000-07:00

por Juan Carlos Villanueva

Cuando Dylan Carlson compartía horas de ocio, algunas sustancias enervantes y divagaciones artísticas con su compañero de cuarto, el atormentado y oscuro Kurt Cobain, jamás supuso que esas horas de verborrea le inspirarían para crear su proyecto Earth. “Éramos una especie de apestados”, recuerda Carlson, “unos como bichos raros que no encajábamos en ninguna parte, hasta que nos trasladamos a Seatlle: Kurt se hizo una especie de semidios y yo, logre crear mi propio Earth”. La voz de un tímido pero desafiante joven Cobain suena en “Divineand Bright”,una canción codiciada por coleccionistas que fue reeditada el año pasado.
Piedra angular del sonido dronedoom que ha influido directamente en Sunn O))) y Boris, Earth se formó en Olympia, Washington en 1989, pero el proyecto se consolidó en Seattle. Earth grabó su primer disco homónimo en 1991 bajo el sello Sub Pop, el EP titulado Extra-Capsular Extraction.Posteriormente, Carlson se asoció con su amigo de mucho tiempo y productor Stuart Hallerman (Soundgarden, Mudhoney, BuilttoSpill) para crear Earth 2, posiblemente el disco más influyente de la historia de la banda hasta la fecha.
Tras una atormentada vida de excesos de Carlson, conflictos con el sello Sub Pop y la muerte de su amigo Cobain, Earth resurgió en el 2002 con una serie de conciertos por Estados Unidos y Europa, con la formación integrada por Carlson y el baterista Adrienne Davies. En septiembre de 2005, apareceHex: OrPrinting in the Infernal Method,donde Dylan Carlson reestructura a la banda y crea un sonido renovado, con un concepto más complejo y ambicioso. “La música de Earth es ahora más profunda, leo mucho y veo más películas. Ya no consumo drogas”, dice Carlson.
“Lo importante como músico es crecer, tocar rocas diferentes y crear nuevos mundos sonoros. No se trata de querer sonar como la gente que admiras, sino a partir de ellos, crear un universo paralelo donde puedas aportar algo nuevo. Se trata de que Earth se vuelva un progresivo ejemplo de creatividad y aprendizaje”, dice Carlson.
La música de Earth ha tomado un nuevo camino que ha sido valorado por el cineasta Jim Jarmusch, quien utilizó música del disco TheBees Made Honey in theLion'sSkul(2008) y deHex (2005) en la película TheLimitsof Control (2009). Earth lanzará en el 2011 dos discos llamados Angelsof Darkness, Demonsof Light I y II.

LAMB, LA DANZA COMO PROVOCACIÓN

2011-03-07T09:26:00.000-08:00

por Hayde Lachino

LAMB, es una obra que surge del encuentro entre un coreógrafo australiano y una compañía mexicana de danza contemporánea radicada en Tijuana, Lux Boreal. Todos ellos provienen de lugares en donde los cruces culturales son parte del cotidiano, lo que permite una mayor apertura a lo otro. LAMB es una obra comisionada por el Festival de México con el claro objetivo de propiciar encuentros creativos que contribuyan a enriquecer las propuestas estéticas de los artistas involucrados.

Phillip Adams es considerado como el más destacado coreógrafo australiano contemporáneo, su trabajo se caracteriza por una alta sofisticación y un leguaje único, con una propuesta estética absolutamente personal que raya en lo barroco. Durante su estancia en Nueva York entró en contacto con la danza postmoderna norteamericana, lo cual es una veta importante de la que se ha nutrido su trabajo posterior. De regreso en Australia formó su propia compañía, BalletLab. Cuenta con importantes premios, otorgados por la crítica especializada de su país. Su obra coreográfica se ha presentado en los más destacados festivales y foros del mundo.

Phillip Adams tiene una fascinación por los objetos y sus sonoridades, sus coreografías oscilan entre la pureza del movimiento, la perfección y un mundo al borde del caos, metáfora de nuestro tiempo. El sonido en sus obras tiene un valor importante, tanto el que surge del cuerpo al moverse como el que se provoca con la manipulación de los objetos que están en el escenario. Le interesan los conflictos latentes en las relaciones humanas y sus puestas en escena parten de su fascinación por relatos provenientes tanto del cine, como de la literatura.
En su lenguaje de movimiento encontramos una mixtura de tradiciones corporales, un espacio en donde lo diverso adquiere coherencia. En sus obras hace uso de formas dancísticas como clásico, romántico, barroco o danza contemporánea; todas ellas al servicio de un concepto contemporáneo de la representación.

Las escenas que construye Adams, son inquietantes, llenas de imágenes que dejan un profundo impacto en el espectador. Si bien las obras están construidas en base a una clara línea argumental, ello no significa causalidad ni linealidad, por el contrario se trata de construcciones narrativas complejas en donde lo onírico y lo surrealista se hacen presentes; en su trabajo el poder de la imagen es central.

Al trastocar las nociones de la representación, necesariamente se altera la relación con el espectador, por ello en LAMB la interacción del público con la obra es importante.
Por su parte Lux Boreal forma parte de un interesante movimiento dancístico que se observa en diferentes puntos de México, en donde compañías de danza son integradas por jóvenes y talentosos coreógrafos y bailarines que están transformando la dinámica de la danza nacional. Un punto de encuentro con Adams tiene que ver con el uso de los objetos en la escena para investigar otros posibles usos y sacar a flote otras significaciones latentes.

Lux Boreal es la ventana a través de la cual Adams atisba a toda una cultura del movimiento y el cuerpo, presentes en un lugar tan sui generis como Tijuana. Australiano y mexicanos son hijos de su tiempo, son producto de múltiples hibridaciones culturales encarnadas en su propio ser escénico. Tradición y vanguardia son convocadas en el presente trabajo.

LAMB cuestiona el sentido actual de la religión, reflexiona sobre la mortalidad, el perdón y la muerte, es una obra irreverente ante la cual no es posible una actitud pasiva, es la apuesta por un arte que nos provoca y que por tanto, nos moviliza.

Lamb
(México, Australia)
Lux Boreal
Phillip Adams, coreógrafo
Sala Miguel Covarrubias,
20:00 hrs
$100 y $150

EL GRAN CONTINENTAL, EL PODER SOCIAL DE LA DANZA

2011-03-02T12:07:00.000-08:00

por Hayde Lachino

La danza está en todas partes, no hay cultura humana en donde no sea central como elemento cohesionador, dador de identidad. La danza es una experiencia totalizadora, a través de ella los individuos nos conectamos con los otros y con el misterio de la vida; pero también con el gozo, con la dicha que provoca saberse cuerpo, pensamiento, movimiento.

La danza es la vivencia simbólica de nuestra corporalidad. Al bailar celebramos lo que a través del cuerpo nos llega como idea de vida, tenemos una experiencia concreta de nuestro estar en el mundo.

Sylvain Émard. Foto Angelo Barsetti

La primera versión de Le Grand Continental fue co-producida por Sylvain Émard Danse y el Festival TransAmériques, uno de los más prestigiados festivales de danza del mundo. Para la realización de esta nueva versión en nuestro país, el coreógrafo Sylvain Émard y Mariana Artega, coordinadora general del proyecto, se fueron a caminar por las calles del Distrito Federal a ver cómo bailamos sus habitantes, cómo nos movemos y conmovemos. El resultado es una puesta en escena en donde participan apenas unos pocos bailarines profesionales y alrededor de 100 bailarines amateurs de todas las edades, condiciones sociales, colores y sabores, todos ellos voluntarios, que participan en la coreografía por el gusto de bailar, de moverse, de ponerle corazón a una obra que nos recuerda el poder social que tiene la danza.

En sus inicios Sylvain Émard trabajó con los coreógrafos Jean-Pierre Perreault, Louise Bédard y Jo Lechay; los dos primeros son pioneros indiscutibles de la danza independiente en Quebéc. En El Gran Continental encontramos importantes conexiones con las preocupaciones estéticas de la danza canadiense: por una parte el gusto por trabajar con grandes colectivos; un interés porque la danza se conecte con las preocupaciones sociales vigentes en el entorno y un búsqueda en nutrir los códigos establecidos de movimiento con danzas de diferentes culturas, aquí se incluye una aguda mirada hacia la danza de las urbes.

Foto: Robert Etcheverry

“El Gran Continental es de una alegría humanista profunda y durable”, escribió una participante de la obra en Canadá, así en este proyecto se confirma que al bailar retornamos a lo mejor de nuestra humanidad, al gozo y a la alegría de vivir.

Un cuerpo que se mueve conquista la utopía del placer y la libertad. Al bailar establecemos un diálogo con las partes más íntimas y profundas de nuestro ser, desde este lugar nos encontramos con el otro y transitamos por el mundo. El Gran Continental es un documento vivo de la idea contemporánea de cuerpo en movimiento y sobre todas las cosas, del potencial social del arte.

Le Très Grand Continental from Sylvain Émard Danse on Vimeo.

Hitler en el corazón, Noé Morales Muñoz

2011-03-01T10:27:00.000-08:00

Pocas cosas tan antinaturales como la muerte joven; a la cauda previsible de dolor por la pérdida se suma el cúmulo de proyectos cancelados y de alternativas que se sepultan junto con el cuerpo del caído en desgracia. ¿Pero qué sucede cuando quien se va goza de los favores y de los perjuicios de la exposición mediática? ¿Qué tanto puede desatarse tras el fallecimiento de alguien que, sin desearlo, encarna la serie de proyecciones, expectativas y connotaciones que la sociedad deriva en la plutocracia pública acaso por incapacidad para hacerse cargo de las suyas propias?

Hitler en el corazón nació de ese impacto por la manipulación mediática ante la muerte de un joven señalado como ejemplar, inserto en la maquinaria despersonalizante del deporte profesional. El texto quiere ser un examen crítico de los mecanismos de manipulación de los medios electrónicos en esta época de cumplimiento de las teorías baudrillardianas más radicales sobre los costos de habitar la gran pantalla global. Estructurado a la manera de los movimientos de refracción de un lente, cada uno de sus tres episodios se aleja paulatinamente del sujeto que detona el relato y se concentra en un estadio cada vez menos íntimo de su estrato de realidad: de las intrigas de su alcoba, pasando por la fragilización de los rostros visibles de los medios de comunicación que lo han encumbrado, hasta mostrar la irrupción de la violencia más oblicua, más irreflexiva, más impensada, pero siempre latente en los rituales adyacentes al futbol y su cauda de desenfreno tribal.

La puesta en escena ha partido la certeza de que la característica más peculiar de la dramaturgia es que su protagonista nunca aparece para conquistar otra certeza: habría que articular un relato sobre la ausencia y sobre la manera en que por fuerza de factores complejos se hace presente. Habría que repensar e indagar en las muchas formas con que representamos la ausencia. La puesta, entonces, pretende ser un estudio sobre las muchas representaciones del fantasma.

Desde luego que el proceso nos descubrió otras vertientes afines de exploración: las espirales concéntricas del deseo, los estadios crepusculares de la acedia, las dimensiones materiales de la añoranza, las formas de incubación y manifestación de la violencia en esta etapa de la modernidad. Un caldo de inquietudes temáticas que encontró resonancia en la idea de investigar en las posibilidades de los rincones generalmente subutilizados del edificio teatral; decidimos que, lejos de construir un dispositivo escénico, queríamos evidenciar la potencia atmosférica natural de cada uno de esos espacios excéntricos, sin intervenirlos sobremanera. La puesta en escena será entonces un recorrido por la comisura del teatro, por ese territorio liminal que, como ese futbolista del que todos hablan y nadie ve, es también decididamente fantasmal.

Nada de esto que ahora ha tomado volumen concreto en la escena hubiera sido posible sin el apoyo del fmx - Festival de México, que en contubernio generoso con Editorial Expansión decidieron otorgar al suscrito el Premio Chilango – fmx 2010, lo que eventualmente se tradujo en una coproducción, a la que se sumaron la Coordinación Nacional de Teatro del INBA y Teatro Línea de Sombra, una de las compañías mexicanas de teatro con mayor y más congruente compromiso con la experimentación escénica. A ese espíritu y a esa confianza quiere responder este montaje. Y como tal se dispone a todo aquel que desee inmiscuirse en este itinerario por ciertos rincones, teatrales y emotivos, sobre los que pocas veces ponemos luces. Gracias y así sea.

Noé Morales Muñoz

Accordone / Guido Morini, Marco Beasley

2011-02-25T10:37:00.000-08:00

por Juan Arturo Brennan

Este programa del ensamble Accordone ofrece una continuidad dividida en tres partes, dedicadas respectivamente a la música sacra, la música secular y la música tradicional, e incluye un par de interpolaciones en estilo antiguo creadas por Marco Beasley y Guido Morini, miembros del grupo.

Compositor y cantante (con tesitura de tenor) Giulio Caccini (1551-1618) realizó la mayor parte de su trabajo en Florencia. Estuvo asociado con importantes festividades de la nobleza y se involucró con la Camerata Florentina en sus análisis y discusiones sobre la naturaleza de la música griega. Caccini desarrolló un nuevo estilo de canto, más natural y más cercano a la palabra hablada. Fue un protagonista importante en el auge de la ópera en Florencia, aunque lo mejor de su música está concentrado en sus dos colecciones de canciones, Le nuove musiche (1602) y Nuove musiche e nuova maniera di scriverla (1614). El prefacio de la primera de estas dos colecciones es históricamente importante por su discusión de asuntos de técnica vocal e instrumental. Caccini fue un prestigioso maestro de canto, y tuvo entre sus alumnos a sus dos esposas, sus dos hijas y su hijo. Estuvo al servicio de la familia Medici y fue invitado frecuente a otras cortes, tanto en Italia como en el extranjero. La más conocida y difundida de sus canciones es Amarilli mia bella.

Originario de Brescia, el violinista y compositor Biagio Marini (1587-1663) tocó en el ensamble orquestal de la Basílica de San Marcos en Venecia. Trabajó para la corte en Parma y pasó una larga temporada en Alemania. De regreso en Italia, estuvo asociado con diversas instituciones en Milán, Ferrara y Vicenza. Sus obras para violín son históricamente importantes como precursoras de la sonata a solo, y hay en ellas una escritura experta y compleja para el instrumento, empleando efectos y recursos novedosos que pronto habrían de convertirse en materia usual para los compositores y los ejecutantes. Hay en su música una clara división entre unas obras y otras, una división que al decir de los musicólogos tiene semejanzas con el concepto de Arcangelo Corelli (1653-1713) sobre la sonata da camera y la sonata da chiesa. Desde el punto de vista estructural, las obras de Marini son interesantes porque hay en muchas de ellas una clara división por secciones.

Valdría la pena preguntarse, por un simple afán retórico, si algún otro compositor en la historia de la música ha construido un legado creativo igualmente importante en el campo de la ópera y en el de la música sacra como Claudio Monteverdi (1567-1643). En los últimos años de su vida, Monteverdi disminuyó el ritmo de sus actividades creativas, pero la música que creó en la década postrera de su vida es, como el resto de su producción, de una calidad superior. Una guerra de sucesión en Mantua y una epidemia de peste en Venecia obligaron al compositor cremonés a diversificar la orientación de su trabajo creativo. Adaptó un texto de Giulio Strozzi para una boda entre familias nobles, escribió una misa de gracias por el fin de la epidemia, y en 1632 publicó sus delicados y expresivos Scherzi musicali. Seis años después supervisó una edición retrospectiva de su música secular, publicó su octavo libro de madrigales y, en 1641, dos años antes de su muerte, editó en Venecia un importante volumen con su música sacra. Esta colección, que contiene obras de diversos períodos de su carrera, es conocida como Selva morale e spirituale, y en ella se encuentran piezas para de una a ocho voces, con acompañamiento instrumental. Su Orfeo es considerado como el verdadero punto de arranque de la historia de la ópera.

En el año de 1618 se publicó en Venecia la primera edición de una colección de música vocal titulada Affetti amorosi. Canzonette ad una voce sola, bajo la firma de Giovanni Stefani. La información al respecto de Stefani es prácticamente inexistente, y apenas hay indicios de que su fecha de muerte pudiera haber sido 1626. Sobre su origen y carrera se desconoce casi todo. De hecho, algunos musicólogos le han asignado a Giovanni Stefani más el rol de compilador y editor que de compositor de los Affetti amorosi.

La fecha de nacimiento de Alessandro Grandi se sitúa tentativamente entre 1575 y 1580. Se sabe que estuvo asociado con varios establecimientos eclesiásticos en la ciudad de Ferrara. Su carrera progresó de manera notable cuando fue contratado como cantante en la Basílica de San Marcos en Venecia, donde llegó a ser asistente del maestro de capilla, Claudio Monteverdi. Más tarde obtuvo el puesto de maestro de capillo en Santa María Mayor, en Bergamo, ciudad en la que murió en 1630, junto con toda su familia, en una epidemia de peste. A Grandi se le atribuye el primer uso del término “cantata” para designar a cierto género de composición vocal. De su producción destacan especialmente sus motetes para una, dos y tres voces. Existe evidencia documental de que su música tuvo, en su propio tiempo, una amplia difusión en toda Europa.

De un texto generado por el ensamble Accordone, estas palabras:

Guido Morini ha escrito un Concerto spirituale para dos violines y continuo basado en el estilo que estaba en boga en el siglo XVII, rindiendo así tributo a un mundo musical que para nosotros sigue vivo hasta nuestros días.

Como aproximación a las tarantelas con que cierra este programa del ensamble Accordone, está la opción de acercarse al notable Diccionario Técnico de la Música editado en Barcelona en 1894 por Felipe Pedrell, que contiene esta entrada:

Tarantela, tarantella. Tañido, danza violenta de este nombre que se baila con frenesí y dicen ser el son a que se toca muy eficaz para los que están mordidos por la tarántula. La antigua danza italiana de este nombre en compás de 6/8 y en movimiento vivace.

Más adelante, el propio diccionario contiene esta observación, relativa a la picadura de la tarántula y su cura por medios musicales:

Es un absurdo… del mismo modo que la creencia de que el único remedio es la música que hace bailar con frenesí al enfermo y expeler el virus por medio de copioso sudor, cuando se tocan determinados aires de los cuales recibió el nombre la danza llamada Tarantella.

Más allá de lo que todo este asunto tenga de fantasía y superchería, es un hecho que en un tiempo se creyó que era posible curar toda clase de afecciones, tales como venenos, ponzoñas, delirios, demencias, posesiones diabólicas y, de modo importante, pulsiones eróticas desenfrenadas, a través de rituales repetitivos e hipnóticos de música y danza. Tal es el origen de la tarantela, que hoy en día sobrevive ya despojada de tales asociaciones curativas, habiendo sido glosada y estilizada en diversas obras de compositores románticos.

CUARTETO LATINOAMERICANO Y CÉSAR OLGUÍN

2011-02-16T10:58:00.000-08:00

Tango nuevo, tango viejo.

Por El Lotro del tango.

El fuego y el tango comulgan en la potestad de convocar y de reunir.

Y una vez más, este género musical que la UNESCO declarara Patrimonio Cultural de la Humanidad en 2010, une al Cuarteto Latinoamericano y a César Olguín para ofrecernos un programa que se divide en dos partes.

La primera parte es un compendio de sus dos primeros trabajos discográficos que registraron hace algunos años (“Five for tango” y “Jalousie” – Quindecim Recording). Y la segunda, con tangos conocidos y/o tradicionales que son del gusto popular y que integran su tercer disco titulado: “Los tangos de siempre”, y que hoy presentan bajo la producción de Quindecim Recording.

Si bien lo cronológico del título de este programa no es un desacierto, vale la pena mencionar el decir tanguero de que no hay tangos “viejos” y/o “nuevos”, hay tangos “buenos” y tangos “malos”. Qué determina esta clasificación? eso es, y siempre será tema de controversia, motivo de discusión. De lo que no hay duda es del aval de calidad de cada uno de los compositores que conforman el reportorio.

El nombre de Astor Piazzolla se destaca en la primera mitad, y un par de milongas y tangos clásicos lo hacen en la segunda, llevándonos a rememorar una diversidad de épocas sin que el enfoque camerístico del Cuarteto Latinoamericano y César Olguín lo despojen de su espíritu y raíces.

De mano de su inherente fuego interior, el tango seguirá cautivando a “viejas” y a “nuevas” generaciones, continuará seduciendo a propios y extraños. Y como desde el inicio, al igual que el fuego, su llama continuará relumbrando en el universo musical.

AURAL PRESENTA: Exploración Aural

2011-02-14T09:12:00.000-08:00

Maja Ratkje, Kan Mikami, Aaron Dilloway, Manrico Montero

por Israel Martínez

Aural apuesta por el riesgo y la apertura auditiva, invitando artistas de distintas geografías, generaciones y contextos sonoros; lo que, sin duda, resultará un deleite para el variopinto público de nuestro festival, quien descubrirá nuevas fusiones y estéticas dentro del infrenable camino de la vanguardia musical.

Maja Ratkje (Trondheim, Noruega. 1973) ha conjuntado desde hace quince años, dos posturas de la música que usualmente se repelen: la precisión y frialdad de la composición instrumental académica, con la espontaneidad y catarsis que provoca la improvisación y el ruidismo, generando una compleja fusión entre estas, en la que es difícil precisar la estrategia elegida por Ratkje, cuando una tormenta gestual logra una forma bastante organizada y una transformación espectral similar a las técnicas electroacústicas, o cuando una sección instrumental remite al caos con el virtuosismo que por lo general sólo un compositor de cepa puede inducir en su partitura.

Maja Ratkje. Fotografía por Iztok Zupan

Ratkje inició sus estudios de música desde la infancia, mostrando mayor interés por la ejecución del piano, la voz y, posteriormente, la composición. Desde 1995 se relacionó con la tecnología para la creación musical y tan sólo un año más tarde comenzó con el cuarteto femenino de improvisación SPUNK. A partir de entonces su carrera ha sido incontenible creando música para artes escénicas, instalaciones, obras orquestales, óperas, proyectos en solitario de improvisación, el dúo Fe-mail, el trío POING y distintas colaboraciones. Su discografía se ha difundido a través de valiosos sellos como Tzadik, ECM, Rune Gramoffon, Important, entre otros. Recientemente, Ratkje musicalizó la escultura “Desibel”, un corno de diez metros de longitud en el que reproduce una composición de diez minutos incluyendo principalmente sonidos de trombón, recibiendo una mención honorífica en el Prix Ars Electronica 2010.

En Aural presenciaremos un set de improvisación vocal y electrónica en vivo, tema en el que Ratjke se ha especializado siendo hoy por hoy uno de los mejores músicos en este campo a nivel mundial. Muestra de ello sus grabaciones: Voice (2002) y Stalker (2006), además de su colección River Mouth Echoes (2008), que nos dan una gran idea del interminable flujo gestual de su voz, el control y propulsión que otorga la tecnología, así como el goce sensorial que provoca el ruidismo como una exploración y no como una salida fácil.

Japón siempre ha resultado un fabuloso enigma para occidente, el sonido o la música no permanecen alejados de este fenómeno de atracción y de extraña interpretación de su cultura; para muestra un botón: el japanoise, corriente de improvisación y/o composición con sonidos estridentes, una estética violenta, a veces repulsiva para algunos escuchas, curiosamente una ruta espiritual para muchos músicos japoneses. Aural presenta a Kan Mikami (Kodomari, Japón. 1950), cantante, guitarrista, escritor y actor de cine, bastante reconocido tanto en la cultura popular como subterránea de su país, y quien en los últimos años ha esparcido su propuesta en otros países rompiendo los límites del lenguaje.

Mikami creó sus primeras canciones a principio de los setenta, influenciado por el blues norteamericano, así como la literatura beatnik y otros comunes de la contracultura mundial de los cincuenta y sesenta. Su lírica, inicialmente dirigida hacia tópicos estudiantiles de la época como la guerra de Vietnam, fue enfocándose posteriormente en temas ambiguos como la violencia o la locura, no necesariamente desde un punto moral sino ofreciendo distintos perfiles psico-sociales. Poco tiempo después de su comienzo como compositor fue firmado por una disquera transnacional y convertido en un icono de la cultura popular en Japón, apareciendo de esta manera en distintas películas y en televisión. Sin embargo, en un sistema comercial que se indigesta rápidamente, Mikami se quedó sin apoyo corporativo y para los ochenta apenas hacía esporádicas presentaciones en vivo. Desde entonces incorporó nuevas técnicas a su música, transitando del folk hacia el jazz y el ruidismo vía la improvisación, resaltando sus posibilidades vocales, creando infinidad de gestos guturales que se entremezclan con un lenguaje claro en japonés, convirtiéndose así en un referente de la experimentación sonora de ese país, un artista que ha hecho del horror y la incertidumbre literaria, un punto de partida auditivo.

Aaron Dilloway es primordialmente conocido por su trabajo con la agrupación estadounidense Wolf Eyes, de la cual es fundador, y a quien se debe, en cierta medida, la difusión de la experimentación y el ruidismo en el rock norteamericano del joven milenio. Desde la segunda mitad de los noventa ha creado estridentes sonidos con distintos medios análogos y su voz, realizando colaboraciones con gente como Kevin Drumm, C Spencer Yeh y Carlos Giffoni, entre otros, las cuales han sido publicadas tanto en cassette como vinilo y formatos digitales, algunas de estas dentro de su sello Hanson Records.

Si leemos el manifiesto El Arte de los Ruidos, escrito por el futurista Luigi Russolo en 1913, y tratamos de buscar esos sonidos en la actualidad, posiblemente nos encontremos con la música de Dilloway: llena de movimiento, maquinista y brutal; explorando distintos rangos de distorsión a partir de la improvisación con instrumentos análogos, además de algunas grabaciones que el músico realizó en Nepal a mediados de la década pasada, las cuales, evidentemente, son transformadas junto con otros sonidos generados en tiempo real. Dilloway por igual mantendrá al filo de la escucha a los exquisitos amantes de lo que hoy podría ser una mutación de la llamada música de cinta, como a los jóvenes entusiastas del rock estridente.

Manrico Montero

Manrico Montero (Ciudad de México. 1973) es clave en el desarrollo de la música electrónica en este país desde la segunda mitad de los noventa, cuando formó parte de los colectivos Alcachofa Sound System y Parador Análogo, impulsando estéticas como el drum&bass, el ambient y la experimentación. Iniciando el joven milenio Montero formó Igloo Records, que a la postre sentó las bases de lo que hoy es Mandorla, proyecto que difunde diversas formas de exploración auditiva incluyendo el trabajo en solitario de Montero, así como su proyecto colectivo La Orquesta Silenciosa.

Montero ha presentado un trabajo diverso en los últimos diez años, del ambient más onírico y el pulso sugerente del dub, hasta la improvisación con objetos, guitarra, y electrónica. Lo que ha sido una constante es su pasión y disciplina en la grabación de campo y, en los últimos años, su especialización en la bioacústica y el estudio y documentación de las aves marinas, tarea que desarrolla en sus constantes viajes por distintos puntos del orbe y teniendo como base La Paz, Bolivia. Además de haber publicado en los sellos que ha gestionado, ha editado material en disqueras europeas como SEM y Trente Oiseaux; su álbum Betweenness (2008), es un ejemplo de la fuerza contemplativa que induce el entretejido sonoro que propone Montero en cada una de sus presentaciones en vivo.

La música experimental permanece hasta cierto punto aislada del ámbito comercial, aunque paulatinamente influyendo en ella, con técnicas y posturas que a menudo son imitadas por creadores que logran una resonancia masiva gracias a los medios de comunicación (por ejemplo en el cine). Esto, más que ser una desventaja, ha representado una extensa cosecha en un inacabable territorio de libertad, juego, expresión y placer. La música experimental no tiene fronteras, Aural se suma a esta celebración.

¡José González regresa a México con JUNIP!

2011-02-08T15:00:00.000-08:00

A todos los seguidores del grandioso músico sueco José González, les informamos que regresa a México con su proyecto JUNIP. Conformado por José en voz y guitarras, Elias Araya en batería y Tobias Winterkorn en órgano y sintetizadores, Junip ofrece lo mejor del folk-rock.

JUNIP (Suecia)

12 de Marzo @Lunario
Compra Boletos en TicketMaster

¡PROGRAMACIÓN PARA EL 27 FESTIVAL DE MÉXICO!

2011-02-08T14:18:00.000-08:00

FMX - sabana para web - 01 marzo 2011

EL PARAÍSO DE LOS ANORMALES: THE RESIDENTS

2011-02-07T11:34:00.000-08:00

Por Carlos Prieto Acevedo

Érase una vez una secta de hombres que rehusaban tener rostro, religión y cordura. Entendieron el rock y el pop como una montaña de basura sagrada del que surgirían hermosos mutantes sónicos. Damas y caballeros, niñas y niños, haciendo gala de sus incomparables y deliciosas deformidades estéticas, se quedan ustedes con ¡The Residents!

Como todo culto prohibido, los orígenes e identidad de los Residents son borrosos y se confunden con la leyenda que ellos mismos reinventan sobre sí, desde hace 4 décadas de ininterrumpidas insolencias conceptuales. Para quienes la conocen desde hace tiempo, así como para los que apenas se acercan a ella, su música es una suerte de carnaval de máscaras, de sonidos-fetiche organizados de forma sacrílega, que nos llegan e impactan todavía con su secreta y lúcida osadía, a casi medio siglo de distancia. Plasmada en más de 200 producciones discográficas, videográficas e interactivas, dejan un legado artístico difícil de asir o de calificar de una vez por todas. Desde sus inicios se presentan en contra del mercado de la música pop y sus insufribles mitos y héroes que son descompuestos con gran elocuencia por los Residents, justo en el momento en que la utopía hippie entraba a su fin a fines de los años 60.

La secta de los hombres sin rostro

Se dice que desde entonces ya se encontraban trabajando en sus incipientes demos, recolectando cassettes de diversa índole y procedencia, que serían la materia prima de sus primeros experimentos de culto. Es hasta 1972, instalados en San Francisco, California, y desde su propio sello discográfico Ralph Records (creado por ellos luego de que Warner Brothers rechazará su primer demo), que comienzan oficialmente con su programa estético y anti-corporativo: descomponer la solemnidad de los discursos musicales del pop, trastocar sus valores y tergiversar sus formas. El resultado es una extraña mezcla de heterodoxas influencias: Sun Ra, Hank Williams, la música concreta francesa, Captain Beefhart, George Gershwin, Frank Zappa y John Cage. Usan para ello instrumentos electrónicos, el estudio de grabación y un cáustico sentido de la parodia, aplicado al enorme archivo del Pop generado por la sociedad de consumo norteamericana y su cultura del rock.

Siempre fieles a su inviolable política anti-autoral, con la que buscaron desacralizar los vestigios románticos que sustentan las nociones de obra y propiedad intelectual, muelen con sus aparatos la idea del “genio” y del culto a la personalidad, alentada por la industria y el mercado. Su primera gran broma de larga duración (Meet the Residents), lanzada en 1974 y creada con fragmentos de grabaciones de cassettes de cantos de aves, soldados de la guerra de Vietnam, música pop de finales de los 60 y efectos de sonido, muestra en la portada una pícara versión dadá de la célebre carátula del cuarteto de Liverpool, donde aparecen sus 4 rostros, Meet the Beatles. Con él se anuncia una serie de oscuras sátiras musicales que seguirán a lo largo de su trayectoria. Tanto el aspecto externo de sus discos, como el contenido, pasarán de la broma lúcida y corrosiva, al accidente musical afortunado o a la maestría en la experimentación sonora y la consistencia conceptual.

Este osado ejercicio de subversión sónica y textual se esconde bajo la imagen que hoy es emblema del grupo. Del mausoleo del rock progresivo y los baúles perdidos del rock en oposición, a los más nuevos gabinetes del arte sonoro y la plunderphonia contemporánea; todos conocen a los Residents por su atuendo surrealista, un gran ojo con sombrero de copa vestido de smoking.

Para evitar en lo posible el contacto directo y heroico con la prensa o con sus seguidores, esta esotérica agrupación creó una Cryptic Corporation desde inicios de los años 70; un vocero–oráculo que mediaría y daría informaciones apócrifas, dudosas o enigmáticas sobre la identidad real del grupo y sobre sus motivaciones o acciones artísticas.

Los sagrados escombros del rock

El periplo irreverente de esta agrupación se encontró a mediados de los año 70 sumergido en plena transición —grotesca y maravillosa a la vez—, del rock hacia otra cosa. Esta situación amorfa del rock y la estética incontrolable y ácida de los Residents propició la creación de grandes anti-monumentos musicales, y un cuestionamiento a la anquilosada experimentación electrónica y musical, aislada en la Academia.

Muchos no lo saben, pero Residents llevó a cabo en 1976 uno de los actos de terrorismo más sofisticados contra el archivo canónico de la imaginación pop occidental, en su disco Third Reich N’ Roll; espléndido mosaico de magia negra sonora, este álbum reúne en 40 minutos (divididos en 2 piezas: “Swastikas Parade” y “Hitler Was a Vegetarian”), un conjunto amalgamado de covers de joyas del rock clásico. Regurgitadas, ralentizadas y mezcladas en una masa musical primitiva en la que 29 hits de los años 60 son literalmente destripados y vueltos a cocer: Iron Butterfly, James Brown, Ted Nuget, los Rolling Stones entre muchos otros, adquieren los tintes diabólicos que alguna vez se le atribuyeron al origen innominado del rock, cantados y deformados (¿resucitados?), en esta ocasión por los Residents. De ahí se desprende en 1977 una versión de Satisfaction de los Rolling Stones, mucho menos conocida a la realizada por Devo en el 78 en clave electrodoméstica.

Otro de sus grandes atentados lo podemos escuchar en Beyond The Valley of the Day in the Life (luego editado en el disco The Beatles Play the Residents and the Residents Play The Beatles), donde realizan lo que muchos artistas sonoros posteriores han querido —u hecho— con The Beatles. Canibalismo musical, audio collage con discretos mensajes de repudio contra la política de atribución autoral, y contra la cursilería empaquetada del pop inglés. Como vemos, Residents inicia por el asesinato necesario de los padres del rock, tarea que se prolongaría durante mucho más tiempo, y se extendería a otros objetos sagrados.

Metapop

La trayectoria de los Residents acompaña distintos períodos de la historia del pop, creando en esta curva una especie de retorcido lado B de ésta misma; se apropian, hurtan y desechan las tendencias, estilos musicales y ruidos mediáticos de cada momento. En este ejercicio constante y abierto de asedio a los archivos del pop, Residents muestra una magistral utilización, no tanto de los recursos de producción musical en ese entonces emergentes —ligados a la electrónica—, sino del archivo discográfico, de la colección musical y de los sonidos encontrados con los que compusieron interesantes objetos y paisajes sonoros “no identificados”, aun inquietantes y perturbadores.

Eskimo (1979), integra la participación del ex Henry Cow, Chris Cutler en una experiencia sónica sin retorno: patrones de percusión se combinan con cantos manipulados de tribus polares, con sonidos no-musicales y con capas electrónicas, creando un comentario con humor siniestro —o altamente poético—, sobre la sospechosa atracción que la “música étnica” generaba en el oído del (naciente) pop multicultural, y su idea turística del otro.

A pesar de haberse negado a utilizar los sintetizadores para producir patrones rítmicos a la usanza de la disco music de la época, poco después, y haciendo gala de una absoluta ausencia de dogma, Residents realiza Diskomo (1980), una serie de temas y remezclas disco de las piezas incluidas en Eskimo.

The Commercial Album (1980), otro disco conceptual, integra forma y contenido en 40 temas de 1 minuto cada uno; jingles radiofónicos comerciales que, ensamblados de cierta manera, podrían generar canciones pop exitosas. Este disco fue tocado por ellos en la radio en San Francisco en algún momento de los 80, luego de que compraran tiempo aire de publicidad por 40 minutos, aludiendo a la colonización comercial de la radiodifusión musical estadounidense.

Entre sus mejores y entregas conceptuales más serias, está el proyecto American Composer Series de mediados y finales de los años 80, en el que pasaban por cirugía reconstructiva a creadores norteamericanos muy disímbolos —pero emblemáticos—, en anómalos binomios como: George Gershwin y James Brown o Hank Williams y John Philip Sousa: George & James (1984), y Star & Hank Forever (1986). Otro álbum, que no pertenece a esta serie pero se encadena con el proyecto de cirugía mayor al imaginario pop, es King and Eye (1989), compuesto por reinterpretaciones de standards del mismísimo rey de reyes: Elvis Presley.

Teatrofagia

A inicios de los años 90, Residents lanza el “espectáculo” Freak Show, una “meditación escénica” sobre la vida del circo y la demencia carnavalesca, experiencia que luego, en el 94, pasaría a servir de matriz para un experimento interactivo en CD–ROM, con el que inicia la veta electro-pagana de Residents y sus aplicaciones teatrales y multimedia. Un camino explorado anteriormente en sus tempranos momentos de vida, a través de cortometrajes y proyectos de cine experimental nunca filmados, o transformados en reconstrucciones musicales. Actualmente, la agrupación produce discos, DVD’s, y mantiene un ritmo constante de presentaciones, en las que llevan su cabaret experimental en ruinas de gira por el mundo, compartiendo con nuevas y viejas audiencias, su esquizofrénica sensibilidad. Casi media centuria demoliendo, robando y resignificando la cultura de masas, los Residents han creado un cuerpo de obra amplísimo que, desde el presente, puede verse como un atentado no sólo contra la solemnidad, el narcisismo, y otras actitudes que sostienen el edificio entero del pop, del rock y de la música culta (al fin todo, o casi todo es pop); sino contra ese territorio simbólico que alimenta el legado marginal de todo adulto contemporáneo.

En esta primer visita de los Residents a México, se nos presenta la ocasión para muchos, viejos y nuevos aficionados, neófitos de este culto subterráneo y remoto, de viajar a los oscuros abismos sin fondo de la experimentación, tomados de la mano de unos artistas que vislumbraron toda una estética radicalmente libre en la música contemporánea.

PAT METHENY. EL JUEGO Y EL RIESGO

2011-02-07T11:26:00.000-08:00

por Alonso Arreola

Al frente de su quinteto, el guitarrista Pat Metheny (Kansas, 1954) comparte créditos de composición y liderazgo con su más antiguo socio creativo, el pianista Lyle Mays. En tal contexto explora las posibilidades de percusiones, voces y alientos sumados a una base rítmica elemental. Con su trío, en cambio, centra su trabajo en el riesgo de la improvisación y la interacción escénica. O sea que, si con el primero la relojería es minuciosa en términos de dinámica, arreglos y obligaciones interpretativas, con el segundo se libera de ataduras para jugar ocupando muchos más registros y funciones. Así lo comprobarán quienes asistan al Teatro de la Ciudad el sábado 26 de marzo, cuando el Pat Metheny Trio presente una función doble (17 y 20.30 PM) en el marco del fmx - Festival de México.

Digamos que este guitarrista es, simplemente, uno de los músicos más prominentes del siglo XX. Uno de los pocos que ha encontrado la clave para hacer obras de calidad pero con gran éxito comercial. Multifacético y prolífico, sería absurdo enlistar sus premios y grabaciones. Lo ha ganado todo y lo ha hecho todo. Queden como recordatorio de su relevancia unos pocos datos: cuando grabó su álbum debut, Bright Size Life (1975), se produjo un cisma en la historia de la guitarra de jazz. Finalmente alguien la reinventaba. Grabado con Jaco Pastorius, el disco contiene piezas señeras como la que le da nombre y que siempre interpreta con su trío.

Además, lleva 7 premios Grammy seguidos al mejor Disco de Jazz y, paralelamente a su interés por este género, ha colaborado con el serialista Steve Reich, con el creador del free Ornette Coleman, con el brasileño Milton Nascimento y con el camaleón David Bowie, por no mencionar a todos y cada uno de los jazzistas con quienes ha compartido tiempo de vida.

Ahora bien, a Pat Metheny se le conoce como un líder que prefiere la estabilidad y maduración de sus conjuntos, en lugar de una múltiple y permanente combinación de integrantes. Es así que el último trío con el que se entregó a girar tenía al mexicano Antonio Sánchez en la batería y al inigualable Christian McBride en el contrabajo. Como era de esperarse, este último dijo adiós en pos de sus propios proyectos, pues desde sus veintes ha grabado y ofrecido conciertos de manera consistente y celebrada. Ello no debe preocuparnos. Cualquier músico que esté al lado de Metheny es digno de admiración. Tal es el caso de Ben Williams.

Educador y compositor además de bajista (eléctrico y acústico), Ben nació en Washington, DC, aunque reside en Nueva York, ciudad en donde se graduó de la escuela Julliard bajo la tutela de Ben Wolfe y Carl Allen. Identificado rápidamente como un prodigio, comenzó a tocar a los 11 años y, a los 12, tomó clases con Herbie Hancock, Ron Carter y Wayne Shorter. Por si fuera poco, en su adolescencia ganó distintos concursos, ¡pero como pianista! Entre ellos la beca que otorga la Sociedad de Jazz Duke Ellington. Recientemente obtuvo el primer lugar en la competencia internacional de jazz Thelonious Monk, lo que le bastó para firmar con Concorde Records su debut discográfico, State of Art. Desde entonces ha grabado y girado con artistas como Wynton Marsalis, Terence Blanchard, Nicholas Payton, Roy Hargrove y Steve Wilson, entre muchos más, lo que ha sido una inmejorable preparación para llegar al grupo del guitarrista más famoso del planeta.

Del baterista Antonio Sánchez (Ciudad de México, 1971) hay mucho que decir. Ha tocado en los más distinguidos festivales y foros del país —como el Cervantino y el Teatro Metropólitan— acompañando al propio Metheny, a John Patitucci, a Paquito D’Rivera y con su trío al lado de Scott Colley y Chris Potter. Otrora estudiante del conservatorio de Bellas Artes de México, su escalada educativa y profesional dio un brinco a partir de que llegó al Berklee College of Music de Boston, de donde se graduó con honores para moverse al Conservatorio de Nueva Inglaterra, lugar que lo revelaría como el baterista del momento gracias al impulso de Danilo Pérez y de la Orquesta de las Naciones, originalmente fundada por Dizzy Gillespie.

Hoy cuenta con uno de los más aplaudidos andares en la escena del jazz, mismo que hizo clímax en su disco Migration, para el cual invitó a Chick Corea, David Sanchez y Metheny, entre otros. Sea con ellos o con Joshua Redman, Kenny Werner, Avishai Cohen, Dee Dee Bridgewater, Dianne Reeves, Miguel Zenon o Billy Childs, por nombrar algunos, Antonio se ha presentado en 30 países en donde muchas veces ha dado clínicas dejando una huella imborrable como maestro. Asimismo, ha ganado tres premios Grammy con el Pat Metheny Group, innumerables reconocimientos e invitaciones al Modern Drummer Festival Weekend, Zildjian Day y el Montreal Drum Festival, y portadas en revistas como Modern Drummer, Percussioni, Drums and Percussion y Musico Pro. Además, es miembro de la facultad de la Universidad de Nueva York desde el 2006.

Así las cosas, la suma de los tres en un escenario convoca poderosamente a las musas. Sonando juntos, resulta imposible que no se produzca música con la mayor calidad, interpretación y afán de juego. El maestro y sus pupilos, uno con ese sonido brillante, con esas frases tan únicas y deslumbrantes, los otros con la negritud y la latinidad a flor de piel, comprendiendo el lenguaje pero refrescándolo virtuosamente. ¿Concierto para conocedores y músicos principalmente? No. Es de los que satisfacen a cualquiera que guste de la sorpresa y crea en la belleza. Es de los que hacen falta en un momento como éste, en un lugar como éste, cuando y donde la imaginación se está viendo debilitada por quienes no pueden, no saben conmoverse.

PROGRAMACIÓN DE AURAL. 27 FMX

2011-02-07T10:13:00.000-08:00

AURAL, EL NUEVO ESPACIO PARA LA MÚSICA EXPERIMENTAL

ERARITJARITJAKA (MUSEO DE LAS FRASES)

2011-02-07T09:35:00.000-08:00

por Miguel Ángel Quemain

Eraritjaritjaka, Musée des phrases, titula Heiner Goebbles este carnaval de géneros para la escena que concibió en su totalidad musical, plástica, visual y teatral. Eraritjaritjaka es una expresión utilizada por los aborígenes australianos para describir un deseo obsesivo por alguna cosa que se ha perdido, un estado de melancolía o de añoranza. Pero a la letra, Canetti (Roustock, 1905, Zurich, 1994) en El suplicio de las moscas, ese conjunto de aforismos lúcidos y sorprendentes, escribe: “una expresión poética arcaica en lengua aranda, significa rebosante de deseo por algo que se ha perdido”.

Nada es más preciso que ese subtítulo con el que Heiner Goebbels ha sobresignificado esta pieza postrera, pues ese "rebosamiento del deseo por lo perdido" está precisamente expresado por la figura retórica de “El devoto”, que forma parte de ese "museo de frases" que es el transcurrir aforístico de Canetti.

Dice: “Dios está surgiendo, no ha creado el mundo, sino que es su heredero. En el transcurso de la historia, Dios se "forma" a partir de algunos de sus elementos y tradiciones. Nadie puede preveer cuál será su esencia y su forma, aún es demasiado pronto, todavía no se sabe "cómo" será Dios. Pero llegará el día en que termine de formarse, y nuestra obligación es vivir venerando y esperando ese instante”. Se trata de una forma activa de la espera donde la idea misma es vigorosa y no “la emoción con que la expresas”. Algo se ha perdido, efectivamente, pero no se le persigue desde la forma hueca y sicótica de la melancolía que construye sus inmolaciones de autorreproches, no es ese “condenado en el infierno que pide clemencia para todo el que llega”.

Esta convergencia es posible porque Goebbels es un heredero de la más rica tradición literaria, cinematográfica y teatral del siglo XIX de la Mittleuropa, de un espíritu en la más rica tradición alemana que ya recorrió Europa derrumbando prejuicios y lugares comunes para abrazarse a la certeza histórica y artística de que su trabajo será leído muchos años después como el inicio de una confluencia de lenguajes en las artes escénicas que sólo tenían lugar en expresiones atomizadas que se han mantenido confiscadas en sus espacios.

Por eso tal vez él mismo se convierte en un relector de Elías Canetti, de Auto de fe y de Masa y poder que inspiran este montaje que para el público mexicano será una forma de mirar nuestro pasado y asistir a la invitación para vislumbrar un futuro donde la palabra única ha quedado abolida en nombre de una palabra plena, plural.

Cuando digo "mirar nuestro pasado" es porque la obra de Heiner Goebbels no es ajena en un medio artístico donde se han trazado lazos fecundos con la tradición mittleuropea, con el teatro alemán y con la literatura germánica que va de Lichtenberg a Kafka, pasa por Grass y llega hasta Jelinek, Bernhardt y Heiner Müller.

Goebbels no sólo nos presenta, a los largo de 85 minutos, un espectáculo de convergencia genérica, temática, filosófica, conceptual y profundamente ética y política sino un acto de comunicación que pone en evidencia, sin pudor y sin prejuicios la multiplicidad étnica y multicultural de una Europa que se ha ocultado detrás de un eurocentrismo que durante muchos siglos se ha defendido de la diferencia, de la otredad y de las consecuencias de su propia voracidad colonial.

Como Penderecki en su momento con Hiroshima y más atrás si se mira a la tradición clásica (Píndaro, Simónides) Goebbels traza su propia trenodia, ese lamento fúnebre de orden arcaico, profundamente lírico, que en la tradición latina, también nutre el espíritu germano. Es un instrumento técnico y emotivo fundamental para lamentarnos por el ausente (¿la ausencia misma?) como un punto de partida de la reflexión sobre el destino y el sentido final de la existencia desde el punto de vista de la moral.

El objeto perdido que propone Goebbels a través del mundo de Canetti y del repertorio musical que ha elegido y que interpreta el Cuarteto Mondriaan es justo el orden de lo humano. Hemos perdido muchas cosas que parecen simples; la capacidad de sorpresa, la posibilidad de colocarse comprensivamente en el lugar del próximo, la solidaridad, el compromiso político que acaba por sofocar entre sus piedras el imperio que en algún momento pretendió defender.

El modelo inspirador de Canetti coloca a Heiner Goebbels en la búsqueda plurilinguística y pluricultural que son resultado del propio origen y de las migraciones voluntarias y forzosas, migraciones por supuesto de la lengua (del ladino al búlgaro, el inglés y el eterno retorno al alemán). Es en esa promenade donde se desarrolla la capacidad del hombre de fragmentar sus experiencias emocionales, reconstruirlas, superarlas, ficcionarlas, cantarlas. Es la tradición revivida de Bertold Brecht que primero pasa por Canetti, luego por Müller, hasta llegar a Goebbels,

Esa modernidad crítica, clásica, de Brecht es la que toma de Shostakovich y Ravel, inevitablemente escénicos que sin abandonar la propuesta de paisajes sonoros de enorme complejidad y belleza, será imposible disfrutar con los ojos cerrados porque se han tejido ahora con el material de lo escénico.

André Wilms es un fascinante compañero de ruta. No es extraño que Heiner haya elegido un artista capaz de recibir y de dar, cualidad de ese ejercicio modesto y fundamental que es el de la actuación. Es un actor al que le pasan varias cosas: recordar y recibir “como antena de la tribu” las claves del futuro. Es un guía que conduce amorosamente, con extraordinaria lealtad, al propio dramaturgo a través de sus infiernos escénicos, sus purgatorios y sus paraísos.

El papel de André Wilms es el de una permanente confrontación con la confluencia de objetos artísticos que atraviesan el flujo de lo emotivo para producir una verdad escénica. Salvo El arte de la fuga de Juan Sebastian Bach, la música elegida es del siglo XX, cuartetos de cuerdas que van de Ravel y Shostakovich hasta Gavin Bryarse y George Crumb, interpretados por los músicos virtuosos que configuran el Cuarteto Mondriaan. En ese tenor, lo que veremos en México es un trabajo que representa un altísimo punto de llegada a mediados de la década pasada.

El camino que Heiner Goebbels ha recorrido será inspirador para aquellos artistas que indagan en las relaciones entre música y teatro. En su caso lo musical ha corrido en paralelo a los montajes de los ochenta y principios de los noventa. Desde 1993 con Ou bien le débarquement désastreux, The Repetition (1995), Black on White (1996), Max Black (1998), Eislermaterial (1998), Hashirigaki (2000), Meme soir (2000), y Landscape with Distant Relatives (2002), compone la música para cada puesta en escena.

Quienes seguimos en México con admiración la obra de Heiner Müller, la aparición de Goebbels resulta como una consecuencia natural de la lección del dramaturgo pero con una riqueza nueva en el panorama alemán: la incorporación del cine, del mundo audiovisual y musical, donde uno podría referirlos como conciertos teatrales.

Heiner Goebbels (1952) es un compositor y director que recoge una tradición y un contexto sociopolítico cultural muy complejo, dado que hereda una tradición artística de larga data y por otra parte recibe los cambios que definirán el rostro de la segunda mitad del siglo XX. Goebbels vive en Frankfurt/Main, una ciudad de la nueva era alemana junto con Münich , Bonn y el nuevo Berlín, con poco más de una década de cambios drásticos en el orden urbano con gran prisa por dejar atrás el siglo XX y adherirse a las grandes ideas civilizatorias del siglo XXI con la tecnología por delante.

Goebbels no comparte esa angustia por la evolución y la idea de progreso, lo suyo es la meditación creadora sobre los lenguajes artísticos que le permitirán la convergencia que se comenta líneas arriba. Convivencia nueva de viejos lenguajes que en su proximidad anuncian nuevos fraseos, estructuras espaciales y temporales inéditas, que están testimoniadas en el transcurrir del sonido y la imagen (años atrás hubiéramos dicho: “de la cinta sonora y la película”)

Encarna una tradición literaria germánica que termina en Kafka. No es extraño que Goebbels encare una aventura creativa de gran aliento (la trilogía es una verdadera avalancha musical, dramatúrgica y teatral) si la sujeción que elije para desplegar sus saberes, dudas e hipótesis es un enorme contenedor de la vida que llamamos "bildungroman".

La intervención de un cuarteto como el Mondriaan también modifica las ejecuciones convencionales de un conjunto de solistas de tan elevada calidad para comprometerse con las temporadas teatrales donde interpretan en vivo y trabajan de modo permanente con el director.

No se puede dejar de mencionar un equipo de trabajo lúcido, creativo y totalmente compenetrado con las ideas de Goebbels. Klaus Grünberg, en la escenografía y la iluminación se ha dado a la construcción de juguetes teatrales edificados con luces, texturas y una utilización del espacio que puede llevar sin dificultad a las lágrimas.

Un caso semejante es el de la extraordinaria diseñadora de vestuario, Florence von Gerkan, quien ha participado desde 2003 en las obras fundamentales de este director: Hashirigaki, Landscape with Distant Relatives, Eraritjaritjaka and I went to the house but did not enter con el Hilliard Ensemble. El camino de esta diseñadora parecía trazado para el encuentro con Heiner Goebbels pues su experiencia en el montaje cinematográfico (David Schmid), teatral (Erich Wonder) y operístico (Jürgen Flimm) hicieron posible esta comprensión heterodoxa de un teatro que forma parte de un mundo transfronterizo tanto en los temas como en despliegue de géneros y recursos escénicos que se emplean con total dominio de las nuevas tecnologías pero sin dejar que el progreso técnico marque el rumbo de lo artístico.

TEATRO JULIO CASTILLO | MIÉRCOLES 16 Y JUEVES 17 DE MARZO, 20:30 HRS.

JUNIP. LA LEY DE LA EQUIVALENCIA

2011-02-07T08:50:00.000-08:00

por Alonso Arreola

Formado en Suecia hace 12 años, Junip es José González en voz y guitarras, Elias Araya en batería y Tobias Winterkorn en órgano y sintetizadores. José nació en Gotemburgo pero posee ascendencia argentina. Como es imaginable, desde el exilio escuchaba trova y folclore latinoamericano, canciones de protesta con espíritu libertario. Así, cuando grabó su primer disco en solitario (Veneer) ya había escuchado lo fundamental del repertorio, la música de su propia generación (tuvo otras bandas de rock), más autores clave de clásico y flamenco. Cursaba entonces estudios en bioquímica. Pocos, empezando por él, se imaginaban el éxito que vendría a partir del 2004. Premios, conciertos llenos, ventas de oro y platino, todo se cimentó con la salida de un segundo trabajo, In Our Nature, por lo que augurábamos una prolífica carrera en solitario. Sin embargo, González regresó con sus amigos de adolescencia para cerrar el círculo y, tras casi una década, presentar Fields, un álbum extraordinario que sonará en una larguísima gira mundial que tocará nuestro país en el fmx - Festival de México.

Normalmente, cuando en la cabeza de alguien se suman influencias provenientes de culturas y tiempos distantes, los resultados suelen ser abigarrados, barrocos. Más interesantes son, empero, aquellos proyectos en los que cada adición provoca la eliminación de algo a cambio, un equilibrio, una refinada dialéctica en donde va prefigurándose algo literalmente esencial. Por ello es que escuchar a Junip es tan disfrutable. Porque no hay desperdicio. De igual forma, la manera como presentan sus canciones, la producción sónica, pasa por esa misma tesis. Hay una certera elección de micrófonos, amplificación y efectos, desde luego, pero mesurada y constante. Es así que cada pieza cumple su promesa, tal como el viaje de una flecha que vibra pero no se desvía del blanco.

Ahora bien, el grupo no es un disfraz de José González. Es él pero con arreglos democráticos y un temperamento distinto, diverso. Allí están la fragilidad de su voz, la inteligencia de sus letras, los acordes cíclicos de su guitarra, elementos a los se añaden rasgos psicodélicos y menos hipnóticos que, sin caer en la vaguedad del falso ritual llevado al pop-rock, consiguen un espléndido sonido rústico, orgánico, comparable con momentos de bandas como The Flaming Lips o Radiohead. Eso sí, lo de Junip es más oscuro y ligero. Además, sigue habiendo un sello folk pero con melodías vocales mucho más elaboradas y complejas que, por su reverberación y armonización recuerdan fugazmente a los Beatles y Elliott Smith.

Cabe destacar aparte, la visión de Tobias Winterkorn y Elias Araya. No se trata de meros soportes para el famoso cantante. El primero sabe dar paisajes, argamasa para la unión del trío, pero además consigue momentos de improvisación melódica exquisitos. A él se debe, en gran medida, que Junip se mantenga en la frontera que divide la melancolía de la felicidad. Sus dedos hablan de esperanza pero a través de una reflexión sin visceralidad. El segundo, Araya, es un intérprete diáfano y sencillo al que jamás veremos caer en la tentación del relámpago o el terremoto. Sus tambores suenan viejos, magníficos. A él se debe, por si fuera poco, mucha de la imaginería visual del conjunto. Otrora estudiante de artes en Finlandia y Noruega, ha sido el responsable del diseño gráfico en distintos trabajos de González.

Ahora bien, hablando sobre el disco que vienen a presentar en su debut mexicano, Fields, podemos decir que en él se logran todas y cada una de las premisas mencionadas. Cocinado a fuego lento tras dos EP’s anteriores (Black Refuge, Rope & Summit), es coherente en su alquimia de equivalencias, pues los recursos están pensados para no superponerse. “In Every Direction”, el track inaugural, es probablemente el más “rockero”. “Tide”, el que cierra la obra, es hermoso por abierto y lento. Entre ellos destacan “Always”, “Without You” y “Sweet and Bitter”, canciones cuya lírica apuesta por el despertar interior, por el uso de la espiritualidad empolvada, por los instantes de rima que triunfan concisos, profundos y rigurosos en su métrica.

Creemos entonces que a los muchos y dispersos seguidores de José González en nuestro país se sumarán otros, y en grandes cantidades. Verlo al lado de Junip, con el alma vulnerable, hará que su manto sonoro nos cobije y dé abrigo sin retos o provocaciones grandilocuentes. Nos hará mejores.

ISRAEL GALVÁN, LA HONDURA DE UN FLAMENCO CONTEMPORÁNEO

2011-02-07T08:25:00.000-08:00

por Hayde Lachino

Sólo quién conoce a profundidad la tradición puede conectar la historia pasada con los tiempos presentes, eso es justamente lo que ha hecho este gran bailador de flamenco, hacer de éste, un arte que se enlaza con el mundo contemporáneo. En su estilo de bailar vislumbramos una corporalidad en donde el pasado se encuentra como base de toda su investigación y propuesta en comunión con una nueva visión del cuerpo y del movimiento.

El arte de Israel Galván se descoloca de todo lugar conocido, no se engaña con las falsas modas que pretenden hacer fusiones estilísticas sin ningún fundamento sólido; pero también se aleja de una tradición que se inmoviliza en el tiempo, de la inercia del uso irreflexivo de cánones estéticos.

Galván, cuenta con una lista impresionante de premios, entre los que destaca el Premio Nacional de Danza en la modalidad de Creación que concede el Ministerio de Cultura de España. La crítica especializada de su país le ha otorgado en múltiples ocasiones el Premio Flamenco como mejor bailador y ha recibido otros tantos importantes reconocimientos por sus puestas en escena.

Israel proviene de una dinastía familiar de bailadores y es heredero del conocimiento y tradiciones compartidas con maestros como Mario Maya y Manuel Soler. Sus audaces propuestas lo han llevado a colaborar con artistas como Pina Bausch y Carlos Saura.

Israel propone nuevas gestualidades, nuevos movimientos que sorprenden por su audacia y atrevimiento, lo que importa es que el cuerpo que baila signifique, que la danza flamenca se convierta en signo para la sensibilidad contemporánea.

En su manera de bailar, encontramos líneas que se rompen, contrapuntos corporales, tensiones dramáticas que se resuelven en explosión súbita de movimiento. Al lenguaje codificado del flamenco, Galván agrega movimientos y signos que provienen de otras formas dancísticas como la danza contemporánea, añade gestos cotidianos tomados de su andar por el mundo; todo para construir una visión única, personal y sin duda irrepetible en donde la estructura tradicional del baile se rompe para que hacer visibles otras posibilidades.

Entre más nutre su arte de otras formas de danza y se inspira en otras prácticas artísticas, más profundo llega a la esencia del flamenco y lo que nos muestra es flamencura hasta el tuétano.

Las secuencias de movimiento construidas por Galván se caracterizan por arribar a momentos de quietud para después ir a un gesto, a un instante de sorpresa total y con ello lograr que el espectador se encuentre siempre en total tensión. Su baile transita entre la cadencia y suavidad a la fuerza y el brío.

Con toda seriedad se puede afirmar que con Israel Galván el flamenco se divide en un antes y un después. Su imperiosa necesidad de indagar a profundidad en las posibilidades latentes del flamenco lo han llevado a bailar descalzo, algo totalmente irreverente, pero que lo conduce a construir un territorio fecundo de nuevas posibilidades para ésta práctica dancística. Los aportes estéticos de este artista enriquecen la danza toda.

En La Edad de Oro, se hacen patentes todas las inquietudes personales y estéticas de Israel Galván y lo revelan como un profundo conocedor de los códigos escénicos y de la representación. Aquí la danza y la música se encuentran para dar paso a un espectáculo deslumbrante en donde converge la historia del flamenco pero también de la danza en general y del arte. En su cuerpo vibra lo arcaico y lo contemporáneo.

Cuando vemos bailar a Israel, contemplamos un proyecto de humanidad, contemplamos la libertad. Ante este gran bailador, el corazón se expande y no resta más que quedar subyugados ante la prodigiosa humanidad de Galván con quien el flamenco marca su entrada al siglo XXI.

AURAL del 15 al 20 de marzo 2011.

2011-02-05T11:49:00.000-08:00

¡EXTENDEMOS PREVENTA HASTA EL 7 DE FEBRERO!

2011-01-27T19:06:00.000-08:00

20% de Descuento en boletos para asistir a los eventos de música, danza y teatro que hasta el momento hemos confirmado.

PAT METHENY TIRO (Estados Unidos)

2 Funciones el 26 de Marzo @Teatro de la Ciudad
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JUNIP (Suecia)

12 de Marzo @Lunario
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ISRAEL GALVÁN (España)
18 y 19 de Marzo @Teatro de la Ciudad

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THE RESIDENTS (Estados Unidos)

15 de Marzo @Lunario

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ERARITKARITJAKA (Alemania-Suiza)

16 y 17 de Marzo @Teatro Julio Castillo

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________________________

Venta de boletos al teléfono: 5130-6988

Taquilla en la librería del FCE Rosario Castellanos

Ubicación: Tamaulipas #202, Col. Condesa.

¡ 20 % en PREVENTA DE BOLETOS !

2011-01-18T18:30:00.000-08:00

y otros beneficios en la compra de boletos para espectáculos anunciados hasta el momento.

haz click sobre la imagen para más información.

3 Ganadores de ANIMASIVO van a su residencia en Francia.

2011-01-18T18:25:00.000-08:00

Una vez finalizada la convocatoria Construcción de Animasivo, los ganadores seleccionados viajan este mes a Francia para hacer su residencia.

Felicitamos a los Ganadores:

'Caja Musical' de Pedro Castro.

' Who killed imagination?' de Jonathan Ostos.

'Página 11' de Oscar Cueto.

fotografía de: Lourdes Grobet

Como parte de las celebraciones del Festival de la Ciudad de México, durante el mes de Marzo, Animasivo presentará una muestra de los proyectos de cada uno de los ganadores en el Chopo.

Animasivo lanza la convocatoria para el 2011

2010-10-14T11:33:00.000-07:00

Gerardo Estrada es el nuevo director general de fmx - Festival de México

2010-08-06T10:35:00.000-07:00

ESTRENA DIRECTOR fmx – FESTIVAL DE MÉXICO

Llega al cargo Gerardo Estrada, quien busca enriquecer con su experiencia en el sector público, un proyecto social de cultura.

Por decisión de su Consejo Directivo, a través de su Presidente el Ingeniero Sergio Autrey Maza, fmx – Festival de México anuncia que Gerardo Estrada es el nuevo director del Festival, en sustitución de José Wolffer, quien estuvo al frente de las últimas tres ediciones.

Gerardo Estrada, quien llega a dirigir la edición 27 del Festival, es sociólogo egresado y Profesor de la Facultad de Ciencias Políticas y Sociales de la Universidad Nacional Autónoma de México, con el grado de Doctorado por la Ecole d’Hautes Etudes Sciencies Sociales de la Universidad de París.

Además pertenece a diversas asociaciones de su especialidad y tiene numerosos artículos publicados. Es autor del libro 1968: Estado y Universidad. Orígenes de la transición política en México. También ha realizado múltiples colaboraciones en libros de arte.

Cuenta con una amplia trayectoria académica y profesional. Destaca su trabajo como Director de Radio Educación, Director de la Casa de México en París, Director General del Instituto Mexicano de la Radio, Director General del Instituto Nacional de Bellas Artes, Director General de Asuntos Culturales de la Secretaría de Relaciones Exteriores y Coordinador de Difusión Cultural de la Universidad Nacional Autónoma de México.

Frente a la dirección de fmx – Festival de México, el destacado promotor cultural dará continuidad a los programas y proyectos permanentes, además de potenciar la excelencia artística que ha distinguido esta celebración. También se buscarán nuevos esquemas de participación social y de la iniciativa privada que contribuyan a fortalecer los lazos interinstitucionales que año con año hacen posible la realización de esta importante plataforma artística y cultural.

Nos cambiamos de oficina

2010-08-06T10:32:00.000-07:00

GRACIAS

2010-04-01T12:49:00.000-07:00

18 días de grandes experiencias, asombros y momentos que nos transformaron llegaron a su fin. El fmx-Festival de México es y seguirá siendo la celebración cultural más importante de la ciudad de México y una de las plataformas más audaces e inventivas para las artes en América Latina gracias a su gente y al publico que año tras año espera encontrar en el Festival espectáculos que se distingan por su excelencia, diversidad, innovación y equilibrio entre tradición y vanguardia.

Muchas gracias a todos los que hicieron posible esta gran aventura, sin lugar a dudas el Festival transforma. ¡Hasta el próximo año!.

LA CLAUSURA DEL FESTIVAL ESTUVO SÚPER CHÉVERE

2010-03-30T10:16:00.001-07:00

Y cuando escuchamos "Se clausura oficialmente este festival" y "nos vemos en el 2011" aplaudimos y lloramos, es que las clausuras siempre son tristes.

Nortec se llevó la noche, Bomba Estéreo les abrió paso, todos los amamos, la sorpresa de la Maldita acompañándolos en el fuego nos llenó de emoción y yo sonreí de oreja a oreja. Quedé encantado, los nosecuantosmil espectadores de la clausura brincoteban y bailaban. Desde el metro Revolución la peregrinación mostraba a todos llenos de expectativas, y es que si Radical Mestizo está a cargo de cerrar todos los festivales es porque siempre es una gran pachanga, se juntan amigos que no se veían desde hace milenios, se consigue novia, se es feliz, pero sobre todo se baila y brincotea a lo loco, y eso es lo que quiere nuestra gente que asiste a las clausuras, celebrar.

No tengo mucho qué decir, concierto masivo no describe nada, un montón de gente brincando al ritmo de Nortec y generando una ola de calor impresionante al mismo tiempo que hacía que temblara literalmente. Me quedaba parado enfrente de todos viéndolos brincar, sobre todo sintiéndolos en los pies, como un temblor en el sexto piso, pero bonito.

La relación que hay entre el colectivo Nortec y México es divina, con una humildad de parte del público y mucho poder y seriedad de los músicos; Bostich y Fussible, acompañados de acordeón guitarra y trompeta que a veces se convirtió en tuba para poner a todos a brincar como monos y a bailar como locos.

Increíble, mucho baile, mucha fiesta, y se clausura el festival en medio de tanta felicidad que uno quiere que ya venga el que sigue… y muchos más.

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CINEMA GLOBAL DICE GRACIAS

2010-03-30T10:12:00.000-07:00

Se duplica el número de asistentes a Cinema Global en este 2010

El día de ayer, con la proyección del largometraje Perpetuum Mobile de Nicolás Pereida; se llevó a cabo la clausura del ciclo de cine Cinema Global, que formó parte de las actividades del Festival de México, y se realizó del 16 al 28 de marzo.

La sección de estrenos de Iberoamérica Hoy, D´generación. Experiencias subterráneas de la no ficción española y las cinco premiers mexicanas, fueron parte de las ofertas cinematográficas de un programa de más de 30 títulos que Cinema Global, encabezado por Juan Pablo Bastarrachea, ofreció en este vigésimo sexto festival de la ciudad.

A lo largo de estas semanas, se contó con la presencia de invitados internacionales, como Marina Meliande de Brasil; Verónica Bollow y los gemelos Taharga Aleems y Tunde Ra Aleem (The fantastic Aleems) de Estados Unidos; Andrés Duque y Gonzalo De Pedro, de España; Miguel Sánchez, de Panamá y Matías Piñeiro, de Argentina.

Críticos de cine como Jorge Ayala Blanco; cineastas como Jorge Bolado o María Novaro, estuvieron presentes en algunas de las funciones de las premiers mexicanas.

El éxito de Havanyork, película de Luciano Larobina que obtuvo una mención como largometraje documental en el Festival Internacional de Cine de Guadalajara 2010, fue indudable, al tener un gran número de espectadores en las tres proyecciones otorgadas a lo largo del ciclo.

Asimismo, la respuesta del público fue muy buena, ya que se duplicó el número de asistentes con respecto a la emisión pasada, y tanto las diversas funciones, la mesa redonda, los master class, la inauguración y la clausura, fueron del agrado de la gente.

Cinema Global, acercó a toda la población del Distrito Federal, a una opción distinta y arriesgada de hacer cine, de vivirlo a través de miradas novedosas, que van de la mano con un talento que empieza a competir con las mejores cinematografías del mundo.

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BAILANDO SIN TREGUA

2010-03-29T01:58:00.000-07:00

Festejo colombiano con pico de gallo.

Nos prometieron bailar sin tregua, nos lo cumplieron, primero a brincos y con las manos arriba con Bomba Estéreo, y luego moviendo los pies y las caderas con La 33.

Esta noche colombiana estuvo allí para hacernos sudar, gozar, reír y gritar, como todo lo bueno en la vida.

Bomba Estéreo explotó en el escenario, fue la gran sorpresa del festival, cada nota del bajo rebotaba en nuestros pechos, la mezcla de la música era verdaderamente sensual, los clímax a tiempo, perfectamente intercalados con momentos de relax para mover los hombros al más puro estilo del reggae, el recorrido de sus canciones fue ir desde meterse poco a poco al baile y a la masa que brincoteaba en todo el Lunario hasta poner a todos a bailar como si tuvieran hormigas en los pantalones. Su "Electro Vacilón Contestatario” es una mezcla muy intensa de hip-hop, cumbia colombiana y guitarrazos, cuesta creer que son cuatro los miembros de la banda por la fuerza que emanan. Las percusiones son muy poderosas, las líneas de bajo sencillas, las guitarras también sencillas, pero en ella hay todo el tiempo un ánimo de humor y fiesta. Es como escuchar a Celso Piña pero a cambio del acordeón se obtiene la sensualidad de su música y de algunas letras como Cosita Rica. Al final con La Niña Rica que es como La Niña Fresa de la Banda Z pero en la época de la bulimia, y con una crítica más aguda y con su famosa Fuego nos dejaron con el sabor de la bomba especial que anunciaban sus visuales junto con un negrito bailarín. La fiesta apenas comenzaba.

La 33 son una agrupación de salsa colombiana que se antojan para la mejor fiesta del mundo, llenos de sabor, una agupación que mezcla la salsa el humor y sobre todo una madurez y unas interpretaciones magníficas que hicieron que todo mundo buscara a su pareja y se pusiera a bailar, me encantaron sus coreografías y las arremetidas de ritmo que le daban al público, alternando vocalistas, solos y con mucho color latino, la 33 convirtió la sala en un zombie que renació en Teusaquillo.

El momento más bonito fue cuando unos globos que bajarían del techo se atoraron por un momento, un héroe de la pachanga se subió a los hombros de su amigo, para deleite de todos nosotros que con globos en mano seguíamos bailando La Pantera Mambo. También acompañado de visuales vaciladores con escenas de películas como Blanca Nieves así como un ladrón y su víctima bailando.

Baile y más baile, una noche irrepetible, para los afortunados que asistimos podremos revivir parcialmente el domingo en la clausura del festival, los que no, no se pierdan a la Bomba Estéreo y su cumbia sicodélica de puro vacilón.

Clausura Nortec: Tijuana Sound Machine / Bomba Estéreo

Domingo 28 de marzo / 17:00 hs. / Avenida de la República, entre el Monumento a la Revolución y Paseo de la Reforma en la colonia Tabacalera / Gratuito

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LO QUE HOY SOMOS

2010-03-28T23:54:00.000-07:00

Horas de gracia.

Buena parte de la identidad de nosotros, los mexicanos, está constituida –entre otras cosas- por lecciones de historia que recibimos en la escuela, largos discursos que han desgastado el fervor patriótico, los héroes que a través de los años se han ido convirtiendo en estampas, monografías o ilustraciones en libros de texto y, cómo no decirlo, por el uso que de ellos y de ciertos episodios de la historia han hecho los gobiernos de México para consolidar a través de “La Historia Oficial”, una idea más o menos armónica y casi siempre equivocada, de lo que hoy somos los mexicanos.

En tiempos donde en aras del Bicentenario sólo se habla de la Independencia y la Revolución lo que conviene y donde lo que no, forma parte de un discurso demasiado intelectual como para que el ciudadano “de a pie” se interese o lo comprenda, urgía una obra de teatro que develara a uno de los personajes más controvertidos de la fundación de nuestro país: Agustín de Iturbide.

Esa obra se llama Horas de gracia y ha sido escrita de manera extraordinaria por Juan Tovar, uno de los creadores más respetado y elocuente del teatro mexicano contemporáneo.

El montaje, a cargo de la Compañía Nacional de Teatro, está espléndidamente dirigido por José Caballero y se ha estrenado en el marco del fmx-Festival de México.

Dice el lugar común que es imposible comprender el presente y divisar el futuro sin una visión del pasado y Horas de gracia, además de ser un gran texto dramático y una puesta en escena equilibrada y harto disfrutable, tiene a bien hacer el recuento de la historia desde un punto en el que le permite al espectador hacerse una idea bastante cercana a las razones y los antecedentes que hacen de México y los mexicanos lo que hoy somos. Estoy segura de que estamos frente a uno de los sucesos teatrales más importantes y trascendentes que sobrevivirá por mucho tiempo en nuestra memoria.

No se la pierda, de verdad.

Michelle Solano.

27 y 28 de marzo, Teatro Julio Castillo

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IBEROAMÉRICA HOY 28 DE MARZO

2010-03-28T23:45:00.000-07:00

Recomendaciones del domingo 28 de marzo

Un Día Menos – 12:30 hrs.

México / 2010 / 80min / Documental

Dirección: Dariela Ludlow

Producción: Dariela Ludlow / Issa Guerra

Fotografía: Dairela Ludlow

Edición: Miguel Schverdfinger

Postproducción: Pedro de la Garza

Sinopsis:

Carmen (84) y Emeterio (97) son un matrimonio anciano que vive sus últimos años en su casa de Acapulco, la misma casa que construyeron con sus propias manos. El tiempo parece haberse detenido para ellos, ningún día es más o menos especial que el anterior; tan solo les queda esperar. La vejez es el fragmento de tiempo en el que la vida se desarrolla en su más bella sencillez: las palabras son siempre verdad, y las personas se revelan en su forma más pura. Carmen y Eme sobreviven juntos mientras esperan la próxima visita de su familia.

Havanyork – 16:00 hrs.

México / 2009 / 90min / Documental

Guión y Dirección: Luciano Larobina

Fotografía: Emiliano Villanueva

Edición Juan Manuel Figueroa, Haydeé Montaño, Natalia López, Aldo Álvarez

Sonido: Horacio Díaz, Taniel Morales, Pablo Valero

Música: Pablo Valero, Descemer Bueno, Kelvis Ochoa, Anónimo Consejo, Last Poets, Supanova Slom

Compañía Productora: Acitron S. C. / Instituto Mexicano de Cinematografía

Sinopsis:

El discurso rebelde y contestatario de los músicos cubanos y norte americanos nos invita a reflexionar sobre la contracultura y las realidades paralelas que nacen en todo sistema de gobierno.

Los Sueños, la familia, el barrio, la ciudad, la vida, la guerra y la política son algunos de los temas que permean su música y nutren nuestra historia.

Desde los barrios de la Habana y New York, la cámara retrata con una visión cómplice las reflexiones que los músicos de ambas ciudades han ido elaborando en relación a sus raíces, a la evolución del tambor y al alma del Hip Hop.

!!!!! ESTRENO EN DISTRITO FEDERAL!!!! LA MEJOR PELÍCULA DE FICGJ25

Perpetuum Mobile

México / 2009 / 87min / Ficción

Guión y Dirección: Nicolás Pereda

Fotografía: Alejandro Coronado

Compañía Productora: Enchingo Films

Sinopsis:

Narra la historia de Gabino, un joven de 24 años que hace mudanzas con un camión en la ciudad de México. Vive con su madre Teresa, quien venera al hermano mayor de Gabino, Miguel; éste nunca los visita. Su abuela muere, sola en su apartamento, y no la descubren hasta dos semanas después...

Domingo 28 de marzo. Centro Cultural Universitario Tlatelolco.

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IBEROAMÉRICA HOY 27 DE MARZO

2010-03-28T23:33:00.000-07:00

Recomendaciones del sábado 27 de marzo

Martha – 12:30 hrs.

México / 2010 / 76 min / Ficción

Guión y Dirección: Marcelino Islas

Productor: Jorge Bolado

Fotografía: José Rodrigo Sandoval

Edición: Rodrigo Téllez

Sonido: Daniel Castillo

Música: En trámite –María Alma, Los Rebeldes del Rock y Mañana en la batalla piensa en mi-

Compañía Productora: CINE CHACAL-CENTRO

Sinopsis:

Martha es una mujer de 70 años que vive sola en la Ciudad de México. Durante el día, Martha archiva documentos en una oficina de seguros y por las noches ve telenovelas con su vecina de toda la vida Sonia, una anciana viuda de 75 años que padece demencia senil.

La monotonía que marca su vida rutinaria de treinta años de servicio en la misma empresa, cambia cuando un día es despedida debido a que su trabajo será desempeñado por una computadora. Sin nadie que la escuche, Martha siente que su vida ya no tiene sentido, que ya no tiene por qué vivir ni nada más que hacer.

Impulsada por las circunstancias y con el apoyo de Eva -la joven encargada de vaciar los archivos en la computadora- Martha decide acabar con su vida suicidándose, iniciando un intenso viaje hacia la muerte.

FINDE – 16:00 hrs.

México / 2009 / 90min / Ficción

Director: Matías Penachino

Productor: Francisco Paparella – Omar Noceda

Guión: Matías Penachino / Paula Arriola

Fotografía: Matías LixKlett – Matías Penachino

Edición: Matías Penachino

Sonido: Matías Penachino

Compañía Productora: UNHIT! / Río Azul Films

Sinopsis:

Una pareja en estado crítico viaja un fin de semana a la playa para recuperar su relación o separarse definitivamente. El final es el mismo que el principio, un ciclo interminable de idas y venidas.

El Vuelco del Cangrejo – 18:30 hrs.

Colombia/2009/96min/Ficción/35mm

Dirección: Oscar Ruiz Navia

Guión: Oscar Ruiz Navia

Producción: Diana Bustamante, Guillaume de Seille, Oscar Ruíz Navia, Gerylee Polanco

Sinopsis: En La Barra, un alejado pueblo del pacífico colombiano, Cerebro, líder de los nativos afrodescendientes, mantiene fuertes enfrentamientos con El Paisa, poderoso terrateniente que planea la construcción de un hotel en la playa. Daniel, un turista extraño y silencioso, queda atrapado en el sitio esperando una lancha clandestina que pueda sacarlo del país.

La Fuga de la Mujer Gorila – 20:15 hrs.

Brasil/2008-2009/82min/Ficción/HDCam

Dirección: Felipe Braganca-Marina Meliande

Guión: Felipe Bragança

Producción: Felipe Bragança y Marina Meliande

Sinopsis: Dos chicas en una van en esta aventura de road movie musical. Habla sobre coraje, alegría, la playa y un poco de música. Filmado en un viaje de ocho días en los barrios de Río de Janeiro.

Sábado 27 de marzo. Centro Cultural Universitario Tlatelolco.

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ANIMASIVO RECONOCE EL TALENTO DE JÓVENES CREADORES

2010-03-26T09:47:00.000-07:00

Un año más Animasivo cumplió su objetivo de hacer llegar a la sala de cine trabajos de animación en los que se presentan diferentes propuestas de animadores de diferentes países, cabe reconocer que este festival es un espacio que con apenas tres emisiones a logrado conjugar a una comunidad de animadores que se encuentra viva pero dispersa, por espacios como este la comunidad se logra unir para compartir sus propuestas.

Como en todo festival se reconoció a los trabajos más destacados, como en cada emisión se propuso un tema y en esta ocasión fue "Año 2110 proyectando un futuro" no cabe la menor duda que el pensar en un futuro hace que la imaginación se active de inmediato. Aunque es un concurso en el que se convoca a nivel internacional México dominó en la entrega de los premios gracias a que la creatividad está en sus jóvenes y ésta está acompañada de la inquietud de "querer hacer" por lo que han integrado varios colectivos y algunos aunque no tengan un colectivo establecido como tal trabajan de manera colectiva con amigos cercanos o compañeros de trabajo o escuela.

Animasivo brindó dos menciones honoríficas, una fue para la animación "Origen" de Yadira Rojas, la técnica que se utilizó fue stop motion, la propuesta inicia de manera muy similar a algunas representaciones que se han hecho de la obra "Breath" de Samuel Beckett un espacio desolado y lleno de basura en el que un suspiro se escucha y ya no vemos más, en la obra de Yadira de este espacio nace un personaje que a su vez le da vida a un nuevo personaje femenino.

La segunda mención fue para la animación "Papelito habla" de I-colectivo , animación realizada en stop motion con papel recortado en la que se va contando la historia de México a través de figuras que se van armando al desprenderse pedazos de papel de un libro, hasta llegar a la creación de un México renacido que nace de nuevas esperanzas.

El tercer lugar fue para el colectivo Llamarada de Petate con el cortometraje "Sin juicio" animación mixta 2D y ficción en la que el humor negro se hace presente ante un supuesto futuro que se adelantó y ahora está en el presente.

El segundo lugar fue para Pedro González con su animación "El gato con botox" con la técnica 2D utilizando dibujos en pastel teniendo un buen logro en sus secuencias de imágenes contando una historia surrealista en la que a un gato le inyectan botox y sufre una transmutación

Y el primer lugar fue para "The Noctitlán" de Nuria Menchaca, en el que trabajo la técnica "cut out" y a través de entrevistas hechas a diferentes personas sobre como piensan que será México en el 2110 y seleccionó los mejores comentarios con un mensaje positivo, los cuales fue ilustrando con animaciones.

Para cerrar el evento se presentaron los cuatro trabajos comisionados a diferentes directores ya reconocidos, el tema fue el mismo y cada uno de los invitados presentó su propuesta, logramos ver en estos trabajos diferentes técnicas desde el clásico stop motion, realizado por René Castillo en "Transitorio", en computadora estuvo la animación de Lucette Braune con "Love and Strange Places en 2110", los animadores invitados de Canadá para impartir el taller en Animasivo Kevin D.A. Kurytnik y Carol Beecher presentaron "Business" animación en la que a partir de dibujos en 2D los animan con la ayuda de las nuevas tecnologías y "Media Archeology 2110" de Eric Dyer propuesta visual artística en la que se mezclan técnicas de animación cuadro por cuadro y la animación en computadora este cortometraje bien podría ser una analogía sobre lo que hablaba Mc Luhan de la aldea global en la que los medios de comunicación se encargarán de unir a todos a través de la información.

De nuevo Animasivo es un espacio para reconocer el trabajo de los jóvenes creadores en animación, así mismo para conocer más de la animación que se está creando en nuestro país y en otras partes del mundo. Un excelente esfuerzo y trabajo del equipo.

Ana Torres y Mónica B Rodríguez.

¡Y nos vemos en la clausura!

Domingo 28 de marzo, 17:00 hrs. Avenida de la República, entre el Monumento a la Revolución y Paseo de la Reforma en la colonia Tabacalera

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IBEROAMÉRICA HOY 26 DE MARZO

2010-03-26T09:37:00.000-07:00

Recomendaciones del viernes 26 de marzo

Última función!!!!

María y el Nuevo Mundo – 4:00 p. m.

Venezuela/2009/57min/Documental

Director: George Walter Torres

Producción: Rafael Marziano

Sinopsis: En plena selva de la cordillera de la costa venezolana se alza un pueblo que parece haber salido de un cuento de Hans Christian Andersen, la Colonia Tovar. Construido en el siglo XIX por campesinos alemanes muy pobres, la Colonia es hoy en día una próspera atracción turística. María, una mujer venezolana de 37 años, vive en “el bote”, el basurero de este pueblo tan peculiar. Separada de su hija, María trabaja recogiendo botellas y latas rodeada por sus compañeros y una manada de perros abandonados. Este film es su historia. Su lucha por sobrevivir y por recuperar a su hija. Una historia de abandono e inocencia. La de María, la de su hija Joana, y también la de los colonos alemanes que llegaron a estas tierras con la illusión de un Nuevo Mundo.

!!!!Estreno en México!!!!

Impulso – 6:00 p. m.

Ecuador/2009/84min/Ficción

Dirección: Mateo Herrera

Guión: Mateo Herrera, Esteban Monrroy y Gabriela Calvache

Producción: Mateo Herrera

Sinopsis: Cansada de su vida en la ciudad, Jéssica decide ir al campo tras los pasos de su padre. Este viaje la lleva a la antigua hacienda de sus tíos en la sierra de Cayambe, un misterioso lugar donde todos los espejos están cubiertos con telas negras. sólo en su retraído primo Julio, Jéssica encuentra la sombra de algún reflejo, acaso el de su alma gemela. aún así, Jéssica sospecha: los habitantes de esta casona guardan un misterioso secreto.

!!!ESTRENO MUNDIAL!!!!!

FINDE - 7:45 p. m.

México / 2009 / 90min / Ficción

Director: Matías Penachino

Productor: Francisco Paparella – Omar Noceda

Guión: Matías Penachino / Paula Arriola

Fotografía: Matías LixKlett – Matías Penachino

Edición: Matías Penachino

Sonido: Matías Penachino

Compañía Productora: UNHIT! / Río Azul Films

Sinopsis:

Viernes 26 de marzo. Centro Cultural Universitario Tlatelolco.

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¿QUÉ PRIMERO: LA POESÍA O EL SONIDO?

2010-03-25T10:14:00.000-07:00

Los amores del poeta, de Robert Schumann

Cornelia Herrmann, piano

Christoph Genz, tenor

Asistimos a un concierto de inusitada sincronía entre la voz de un magnífico tenor y el marfil sonoro del piano. Cornelia Herrman, vestida de rojo brillante, mantuvo las manos engarzadas con decisión entre la partitura y su corazón. Por su parte, Christoph Genz, de negro, con todo el cuerpo por voz. Sus manos: pinceles de grueso calibre. Su tesitura era una tinta irisada de incontables matices.

¿Es el corazón de Schumann un puerto común para las palabras que zarpan del alma? Si. En definitiva lo es. El lieder de Schumann es testimonio de un arte de inexorable belleza. Herrman y Genz convirtieron la sala de actos del MUNAL en una campiña en ocasiones bucólica y en otras atormentada. Además, dieron un sólido testimonio de su impecable técnica.

III

¿Qué primero: la poesía o el sonido? ¿La armonía o la sangre encendida? ¿El danzar o la tormenta...? Todo por igual. Del meñique al lagrimal. Campanas sonoras en miniatura. Pedal que bañaba de resonancias el salón. Un ciclo de canciones que podría no terminar nunca.

¿Por qué ir a un nuevo concierto? Porque podremos admirar la clara ejecución de una obra reluciente, la belleza de la Herrmann y su fulgurante talento. Además, disfrutaremos una nueva oportunidad para reconocer, con lento encomio, el arte vocal de Christoph Genz.

Las obras de concierto del amplísimo universo de la música del período clásico, romántico, barroco o contemporáneo forman parte escencial de la programación del fmx año con año. "Los amores del poeta", el ciclo de canciones escrito por Robert Schumann (1810-1856) sobre poemas de Heinrich Heine, se presenta como uno de los puntos más altos de esta 26 edición. El programa está dividido en dos fechas, así que el ciclo completo se cerrará el 25 de marzo en la Antigua Escuela de Medicina a las 20:30 hrs. No duden en asistir, con este programa el fmx se suma a la celebración internacional por los 200 años del nacimiento del compositor alemán.

Manuel Chávez R.

Jueves 25 de marzo, 20:30 hs. Auditorio Gustavo Baz del Palacio de la Antigua Escuela de Medicina

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IBEROAMÉRICA HOY 25 DE MARZO

2010-03-25T10:02:00.000-07:00

Recomendaciones jueves 25 de marzo

17:30 hrs.

Paraíso

Perú/2009/89min/Ficción/DigiBeta

Dirección: Héctor Gálvez

Guión: Héctor Gálvez

Producción: Enid Campos, Jusué Mendez

Sinopsis: Hace exactamente un mes que “che loco” ha sido asesinado por una pandilla rival. Por esa razón Joaquín, Antuanet, Lalo, Mario y Sara amigos de toda la vida, cruzan el arenal que está a la salida de Jardines del Paraíso para dejar ofrendas en la gruta de su compañero. Antuanet, la más supersticiosa del grupo, aprovecha la ocasión y ruega a todos que pidan sus deseos. Y es que si el ingreso a la juventud es siempre complicado, para estos amigos que viven en Jardines del Paraíso: barrio ubicado en la periferia de la ciudad de Lima, las dificultades son mayores todavía. Ellos comprueban cómo día a día el duro entorno en el que viven va matando sus sueños y oportunidades. Pero sienten que algo tienen que hacer. Así que a partir de ese momento buscan cualquier ilusión a la cual aferrarse: ya sea ingresar al ejército, terminar el colegio con las mejores notas, construir una piscina en un lugar que no tiene agua potable o simplemente ver la foto de un padre desaparecido. Deseos utópicos y sencillos como el que espera tener Joaquín: sentir que puede volar.

19:30 hrs

ESTRENO MEXICANO!!!!!

Mención como largometraje documental en el FICGJ25 2010!!!!!

Havanyork

México / 2009 / 90min / Documental

Guión y Dirección: Luciano Larobina

Fotografía: Emiliano Villanueva

Edición Juan Manuel Figueroa, Haydeé Montaño, Natalia López, Aldo Álvarez

Sonido: Horacio Díaz, Taniel Morales, Pablo Valero

Música: Pablo Valero, Descemer Bueno, Kelvis Ochoa, Anónimo Consejo, Last Poets, Supanova Slom

Compañía Productora: Acitron S. C. / Instituto Mexicano de Cinematografía

Sinopsis:

El discurso rebelde y contestatario de los músicos cubanos y norte americanos nos invita a reflexionar sobre la contracultura y las realidades paralelas que nacen en todo sistema de gobierno.

Los Sueños, la familia, el barrio, la ciudad, la vida, la guerra y la política son algunos de los temas que permean su música y nutren nuestra historia.

Jueves 25 de marzo. Centro Cultural Universitario Tlatelolco.

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INVENTANDO EL FUTUTO

2010-03-25T09:54:00.000-07:00

“La mejor manera de predecir el futuro… es inventándolo”, es la frase de Alan Kay por la que surge la temática de la tercera edición de Animasivo: Año 2110, Proyectando el futuro.

Dicho foro de animación contemporánea que forma parte del Festival de México crece considerablemente año con año, gracias a la labor que realiza su director Fernando Llanos, el cual ha creado alianzas con los festivales internacionales más reconocidos en esta disciplina como: el Festival Internacional de Animación de Londres en Inglaterra, el Festival Annecy de Francia, Animamundi de Brasil, Anima de Argentina, Ars Electrónica de Austria, el Festival Internacional Trickfilm de Stuttgart en Alemania y el Festival Internacional de Animación de Ottawa de Canadá.

Pretendiendo llegar a nuevos públicos los trabajos que se comisionan y premian en Animasivo serán proyectados en espacios especializados que permitirán el libre intercambio de este “nuevo” surgimiento artístico. Este año se contó con la participación de poco más de 80 animaciones además de abrir por primera vez un taller de animación para niños.

El pasado martes 22 de Marzo en las salas de Cinemark Reforma se presentaron las obras comisionadas de los artistas Kevin D.A. Kurytnik y Carol Beecher de Fifteen Pound Productions), Lucette Braune, Eric Dyer y René Castillo, dos animaciones que obtuvieron menciones honoríficas dentro del concurso: “Papelito habla” y “Origen”.

Se dejó para el final que miembros del jurado ante un público intrigado por saber quien se llevaba a casa los jugosos premios anunciarán los 3 ganadores.

En tercer lugar quedó “Sin juicio” una visión del preludio al juicio final en la Ciudad de México con un twist humorístico del colectivo Llamarada de petate, que en la edición pasada ganó el primer lugar, el segundo lugar lo obtuvieron Pedro González y Héctor Dávila con una animación que a decir verdad no sé que tan relacionada al futuro esté, denominada “El gato con botox” por último una nerviosísima y muy entusiasmada Nuria Menchaca recibió el codiciado reconocimiento al primer lugar por “The noctitlan” animación basada en entrevistas con la pregunta ¿Y tú cómo te imaginas a México dentro de 100 años? como común denominador, con ilustraciones bastante sencillas y utilización de materiales como sopa de letras y estambre se fueron dibujando respuestas bastante jocosas como: con los avances tecnológicos y las modificaciones genéticas todos los mexicanos serán güeros y altos, algunas partes anatómicas del hombre serán reemplazadas por máquinas, la mitad de la población se dedicará al comercio ambulante, el sonido de los cláxones nos volverán seres sociables y maravillosos. O la analogía por la que se le adjudicó ese título: ya no se conocerá más como Ciudad de México porque seremos absorbidos por la Unión Americana… independientemente de qué tan certeras o cercanas estén todas estas suposiciones o profecías a la realidad lo que diferenció esta animación del resto fue el toque positivista que expresó la autora.

¡Muchas felicidades Nuria! Esperamos esta sea una motivación, no sólo para ella sino para todos aquellos creativos que tienen tantas manifestaciones sin proyectar. Estén pendientes de la próxima edición de este gran concurso, qué tal que el próximo tema a animar te desata una tormenta de ideas. Y no se pierdan las proyecciones de los trabajos ganadores.

Olga Sánchez

Proyección de comisiones y trabajos ganadores del concurso de animación

Jueves 25 de marzo, 19:00 hrs. Casa Régina y Callejón de mesones

Viernes 26 de marzo, 19:00 hrs. Plaza El Aguilita, Centro Histórico
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POTENCIA SONORA DE LA DANZA

2010-03-25T09:41:00.000-07:00

Bare Soundz - Savion Glover

Tercera llamada. De andar y vestir relajados, aparecen Savion Glover y los hoffers Marshall Davies Jr. Y Maurice Chestnut. Los bailarines sonrientes, toman posición en las tarimas. A partir de este momento ya nada será igual: olviden toda idea anterior sobre el tap, incorporen la posibilidad que una evento de danza sea a la vez un concierto lleno de potentes y múltiples bombas rítmicas generadas por 3 locos que tienen una capacidad de improvisación digna de la mejor escuela de jazz y por si esto fuera poco, la virtud de evocar con los pies instrumentos como el bajo, tambores, guitarras e incluso un banjo. Señoras y señores: Esto es Bare Soundz, un recorrido rítmico y melódico que irá al blues, jazz, drum and bass, África y el Caribe, sin más instrumentos que 6 pies y algunas palmadas en un escenario escueto compuesto por tres tarimas, con micrófonos colocados a piso, 3 bocinas en pedestal y 3 monitores. Toda una noche para dejarse llevar por la potencia sonora de la danza.

En este “concierto dancístico” Savion Glover establece un desafío a sí mismo y a sus compañeros: como en un ensamble de jazz, propone una base de notas con los pies, riffs a velocidades vertiginosas y con cambios inesperados de tempos: todo un rompecabezas. Davies Jr. y Chestnut con la complicidad que conllevan años de colaboración, observan atentos a su líder, descifran, intercambian miradas y sonrisas mientras acompañan al maestro dando las notas bajas, los contratiempos, para luego dar pie a improvisaciones que dejan ver las personalidades de cada uno de sus integrantes: Chestnut es discreto y fuerte, Davis Jr. es brillante y ligero y Glover es el carismático, el niño y sabio a la vez.

Pero no todo gira en torno a Savion, quien con humildad, sabe darle su lugar a sus acompañantes, y es así como en la primera parte del espectáculo, Marshall Davies Jr. entra en una dimensión sensorial que sólo la kinesis de sus pies es capaz de provocar y emprende un viaje solitario por la métrica, África, Harlem, beats electrónicos… está casi en trance, y la audiencia con él. Expresiones de cansancio, éxtasis, énfasis, salen de su boca y poco a poco el público le grita conmovido, le aplaude y paulatinamente Marshall regresa a este mundo; Chestnut sonríe satisfecho de su compañero y lo acompaña, junto con Glover, al final de la travesía.

Dos highlights de la noche, se dan cuando los 3 bailarines presentan la pieza Trading spaces en una sola tarima, cada bailarín irá sustituyendo al otro, sin cortar la propuesta dancística. Este juego de niños se irá complejizando hasta desembocar en un unísono que manifiesta un poder tribal, es casi un statement, es breve pero impactante. A estas alturas, el público ya está hipnotizado.

Después de una gran travesía auditiva, rítmica y kinética, llega el otro highlight de la noche: Gigantic Steps pieza llamada así en referencia a Giant Steps de John Coltrane a quien dedica este número, en donde como un homenaje al gran saxofonista, Savion propone una intrincada expedición hacia la improvisación, generando nuevos colores en el sonido, y “dando pie” al solo más largo de la noche. Maurice y Marshall seguros y elegantes están ahí para él. Es el momento del maestro: El artista “toma la palabra” scratchea, desliza, rebota, cambia de velocidades, de peso, se voltea a un frente, luego a otro, agita sus brazos, salta, suspira, el ritmo lo rebasa, grita ¡aaaaah! Y todos se incorporan y caen en el tiempo preciso y la pieza vuelve a su base melódica, satisfechos de haber cumplido cabalmente, terminan.

El “concierto dancístico” llega a su fin. El público de pié, ovaciona el virtuosismo de estos tres bailarines, que han hecho alarde durante la noche de generosidad y humildad, una noche que nos recuerda el poder de la danza, sin más adornos que el cuerpo mismo. No, no fue una de esas noches de tap de sombrero de copa, este es el tap de Savion Glover, el del siglo XXI. El desafío está ahí: que nuestros oídos alcancen sus pies, pero hay otro desafío más: el sentir en todititito el cuerpo, el placer de estar vivo. ¿Nos acompañan?

Savion estará aún los días 25 y 26 de marzo a las 20:30 hrs. En el Teatro de la Ciudad.

Mariana Arteaga

25 y 26 de marzo, 20:30 hs. Teatro de la Ciudad  

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IBEROAMÉRICA HOY 24 DE MARZO

2010-03-24T09:27:00.000-07:00

Recomendaciones miércoles 24 de marzo

Todos Mienten – 17:00 hrs.

Argentina/2009/75min/Ficción/HDCam

Dirección: Matías Piñeiro

Guión: Matías Piñeiro

Producción: Iván Granovsky, Lionel Braverman, María del Carmen Fernández Montes, Pablo Chernov

Sinopsis: Un grupo de jóvenes se reúne en una casa abandonada en las afueras de Buenos Aires con la intención de organizar un golpe que va a terminar con las relaciones oscuras que los unen entre falsificaciones y amores, entre robos y besos y entre el arte plástico contemporáneo y el historia argentina del siglo XIX. Helena Pickford silenciosamente dispone sus fichas en este juego de lúdicas conspiraciones en las que el mejor consejo para quien guste ponerse a jugar es el de no creer una sola palabra de lo que se dice. Para mejor reunirse a la canción:

“Las damas trabajan: cavan, graban, calcan y cantan.

La dama blanca calca la farsa al trazar falsas marcas.

La dama callada trabaja la casa, arma llamada, cava, halla la trama.

La dama macabra graba plan, arma parranda, gana.

La dama apagada al cantar saca al alba las trampas.

La palabra clara para la marcha mañana nada habrá acá.”

Contaremos con la presencia de Matías Piñeiro. Director de la película

Centro de diseño, cine y televisión. Universidad coproduce Martha, el largometraje de su primer egresado y graduado con honores.

Martha – 19:30 hrs.

México / 2010 / 76 min / Ficción

Guión y Dirección: Marcelino Islas

Productor: Jorge Bolado

Fotografía: José Rodrigo Sandoval

Edición: Rodrigo Téllez

Sonido: Daniel Castillo

Música: En trámite –María Alma, Los Rebeldes del Rock y Mañana en la batalla piensa en mi-

Compañía Productora: CINE CHACAL-CENTRO

Sinopsis:

Miércoles 24 de marzo. Centro Cultural Universitario Tlatelolco.

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IBEROAMERICA HOY 23 DE MARZO

2010-03-23T09:25:00.000-07:00

Recomendaciones para el martes 23 de marzo

¡¡¡ESTRENO!!!

Paraíso - 5:30 p. m.

Perú/2009/89min/Ficción/DigiBeta

Dirección: Héctor Gálvez

Guión: Héctor Gálvez

Producción: Enid Campos, Jusué Mendez

¡¡¡ÚLTIMA FUNCIÓN!!!

A Zona – 7:30 p.m.

Portugal/2008/99min/Ficción/DigiBeta

Dirección: Sandro Aguilar

Guión: Sandro Aguilar

Producción: Sandro Aguilar, Luís Urbano

Sinopsis: Todos los personajes de A zona se enfrentan a la pérdida de un ser querido. En un hospital, un hombre observa el cuerpo de su padre, acostado en una cama de blancas sábanas y cuyos únicos movimientos son aquellos provocados por el respirador artificial que lo mantiene en vida. En una ambulancia, una mujer embarazada, presa del pánico, agarra con fuerza la mano de su marido mientras el personal sanitario trata de reanimarlo. En un apartamento, un hombre se familiariza con el espacio impersonal en el que vivió su padre y aunque el perro del difunto siga allí, su presencia no colma de ninguna forma la profunda sensación de vacío que se desprende del lugar. Una pareja vive aislada en el campo. Están esperando un hijo, pero una noche el marido sale y nunca regresa. La película gira en torno a hombres y mujeres aparentemente anestesiados por el dolor que los embarga. Son supervivientes a cuyo alrededor la vida se esfuma, que titubean y avanzan a pesar de todo en busca de un poco de alivio.

Martes 23 de marzo. Centro Cultural Universitario Tlatelolco.

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MÚSICA DE LOS SIGLOS PASADOS

2010-03-23T09:18:00.000-07:00

Lecciones de Tinieblas

Le Poéme Harmonique

La nave principal de la Catedral metropolitana se cubrió de tinieblas al concluir el último acorde del concierto que Le Poéme Harmonique ofreció la noche del jueves 18 de marzo. Una hora antes, la voz de la soprano Eugenie Warnier se elevó majestuosa inundando todo el espacio existente entre las bóvedas y el suelo. Le secundaron en armonía perfecta Sylvia Abramowicz y su viola da gamba, el órgano y clavecín de Fréderic Rivoal y la tiorba, por demás precioso instrumento, de Vincent Dumestre, integrante también de Les Concert des Nations (El Concierto de las Naciones) agrupación especializada en el repertorio musical español y francés ubicado entre los años 1600 y 1850. La expectación que levantó el concierto de Le Poéme Harmonique en la Catedral metropolitana se convirtió en una promesa cumplida.

El espacio fué perfecto para transportarse a 1714, año en el que Couperin editaba la obra que el ensamble francés reprodujo para nosotros en el marco del 26 fmx, "Lecciones de Tieneblas". La escena que presenciamos parecía provenir de un óleo del siglo 18. La luz de las velas contrastó de forma mágnífica con el altísimo nivel musicológico e interpretativo del ensamble francés. Al paso de cada lección bíblica musicalizada por Couperin, se apagaba una vela hasta alcanzar la oscuridad absoluta al término de las lamentaciones del profeta Jeremías, pasajes sobre los que se basó el compositor francés para componer una de las obras cumbre de su catálogo y de la música sacra vocal de occidente.

La abstracción del público en la Catedral fué tal que el silencio circundante sólo era rasgado por las notas musicales de una obra que encontró entre los cimientos y los altos techos de la imponente catedral su sitio natural. Este extraordinario concierto forma parte de la sección que el festival dedica a la música de los siglos pasados. Continuarán esta semana la pianista Cornelia Herrman con el esperado homenaje a Federico Chopin y "Los Amores del Poeta" este martes 23 y jueves 25, con la propia Herrman al piano y el talentoso tenor alemán, Christoph Genz; ambos ganadores de la competencia internacional J. S. Bach de Leipzig. Sin duda, con estos conciertos el fmx cobra una importancia singular en el panorama de la música clásica internacional.

¡No se los pierdan!

Manuel Chávez R.

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EL FMX FUERA DEL CENTRO

2010-03-23T09:08:00.000-07:00

El FMX fuera del centro

El Festival de México, aunque por aclamación popular sigue siendo del centro histórico, extiende sus brazos por toda la ciudad y en esta ocasión, con el valioso apoyo del circuito de festivales de la Secretaría de Cultura, y el Instituto Goethe, se armó la segunda edición de X Céntrico con artistas de Alemania y Canadá en gira por el Distrito Federal.

Este año el Instituto Goethe de la Embajada de Alemania en México se sumó a la causa con IG Blech, una banda proveniente de Berlín que se vale de saxofones, clarinetes, trompetas, tuba y percusiones, para tomar el escenario, las butacas y todos los rincones posibles del espacio en turno y hacer la fiesta interactuando con el público al grado de invitar al más prendido que detectan, como percusionista improvisado.

Las delegaciones Gustavo A. Madero, Benito Juárez, Cuajimalpa y Coyoacán fueron las sedes para estas tocadas que el Festival de México y la Secretaría de Cultura impulsan con el afán de acercar una parte de la oferta que cada año trae el Festival, en foros alejados de los circuitos con mayor actividad cultural.

También formó parte de X Céntrico la banda Non Non Non, agrupación canadiense que se apersonó en el Multiforo Ollin Kan de Tlalpan y en el Faro de Oriente de Iztapalapa, con su sonido sabroso de blues-rock que contagió a los afortunados escuchas. Este grupo llegó a México gracias a la Embajada de Canadá.

Para la semana de cierre, la saxofonista Angelika Niescier, también proveniente de Alemania, llevará su música a Xochimilco (Templo San Bernardino de Siena, martes 23, 20h.), Magdalena Contreras (Foro cultural, miércoles 24, 18h.), Milpa Alta (Foro Calmecac, jueves 25, 16h.) y Tláhuac (Sala Rev. Mexicana, viernes 26, 19h.) Los conciertos son sin costo alguno.

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IBEROAMERICA HOY 22 DE MARZO

2010-03-22T09:53:00.000-07:00

El viento y el agua – Panamá - 2009 – 100 min. – 17:30 hrs.

Sinopsis.

Los padres de Rosy se fueron de Kuna Yala para buscar una mejor vida en la Ciudad. Allí su padre, aprende a esconder sus raíces culturales, para triunfar en su ambiente de trabajo, mientras que su madre está en desacuerdo frente a la forma de actuar de su esposo. Resentida por el caos cultural en su hogar, Rosy crece desesperada con la idea de deshacerse de su apariencia indígena. Luego de la celebración de sus quince años, Rosy decide que quiere ser modelo. Pero sus planes se posponen temporalmente cuando su abuelo muere y ella debe viajar por primera vez a las islas.

Ficha técnica:

Director: Vero Bollow y el Colectivo Igar Yala

Productor: Vero Bollow y Miguel Sánchez

Guión: Vero Bollow y el Colectivo Igar Yala

Fotografía: Petra Korner

Edición: Vero Bollow y el Colectivo Igar Yala

Sonido

Música: Christopher Anderson-Bazzoli

¡Estreno!!!!

El vuelco del cangrejo – Colombia – 2009 - 96 min. – 19:30 hrs.

Sinopsis.

Daniel, llegó en balsa a la Barra, un pueblo del pacífico colombiano, donde planeaba quedarse algunos días; pero un fenómeno extraño les sucedió a los peces del lugar y los pescadores tuvieron que alejarse para buscar nuevos recursos. En estas difíciles circunstancias, mientras espera poder salir del lugar, Daniel presencia la lucha entre el Cerebro (líder de los nativos afrodescendientes) y el Paisa (terrateniente del lugar que planea construir un hotel de lujo en la Barra).

Ficha técnica

Director: Oscar Ruiz Navia

Productor: Diana Bustamante, Guillaume de Seille, Oscar Ruíz Navia, Gerylee Polanco

Guión: Oscar Ruiz Navia

Fotografía: Sofía Oggioni Hatty, Andrés Pineda

Edición: Felipe Guerrero

Sonido: Miguel Vargas, Frédéric Thery, Isabel Torres

Música: Gualajo (Palenque Records)

Compañía Productora: Contravia Films, Diana Bustamante, Arizona Films

Lunes 22 de marzo. Centro Cultural Universitario Tlatelolco.

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DESCARGA DE PROPUESTAS ENORMES Y DIVERSAS

2010-03-22T09:13:00.000-07:00

No tienes ni idea, en serio, ni siquiera algo cercano a una idea de lo que fue Boredoms en el Lunario

Que Boredoms, KK Null y Fat Mariachi fue el evento más ansiado de todo Radar no es noticia, incluso que era de los eventos más importantes de todo el Festival de México y que toda la comunidad asidua de la música experimental iba a estar allí o que iba a ser un lleno total, todo eso ya se sabía mucho antes. Pero, simplemente, nadie sabía a ciencia cierta lo que iba a pasar, nadie sabía cómo es que todo lo que se dijo de los artistas que se iban a presentar se iba a materializar en un acto en el escenario, y nadie sabía de la variedad que nos esperaba. La gente que compró su boleto esperó mucho, y no sólo nadie se iba a decepcionar, sino que nadie iba a saber cómo reaccionar ante una descarga tan enorme y tan diversa de propuestas como las que se sucedieron en el Lunario.

En un espacio de menos de cinco metros cuadrados, y con más props e instrumentos que los que podían manejar, Fat Mariachi soltó un performance tan extravagante que parecía que el público nunca se iba a animar a seguirles la corriente. Kai Kraatz, Daniel Lara y Carlos González llegaron, se plantaron en una esquina del escenario y le dieron serenata a aquellos que se atrevieron a acercárseles. Kraatz entró y le pidió a un miembro del público que le ayudara a manipular una especie de caja de ritmos que generaba un ulular sobre el que los mariachis tocaban, pero cuando notó que no tocaba al mismo ritmo que ellos (y luego de reprenderlo diciéndole “¡Hey, tú también!”) se lo dio a alguien más. Daniel Lara hizo gala de todo su armamento de juguetes y cachivaches sacados de la mente de un niño genio hiperactivo, haciendo ruidos con una especie de teclado hecho con Lego y una palanca de maquinitas. Kraatz cambiaba de bajo a guitarra a bajo a guitarra otra vez por tantas veces que nada parecía tenerlo contento. Fue entonces cuando Fat Mariachi decidió cantar una canción en la que escenificaba una trágica historia de amor entre un cerdo y una piña. Así, Kraatz, con máscara de cerdo hecha a mano, le cantaba a una piña de papel como de fiesta infantil, que gritaba y rogaba por el amor del cerdo en una voz en off, al tiempo que, Daniel Lara, con delantal de carnicero, se dedicaba a hacer pedazos a la piña y de paso al cerdo, mientras Carlos González repartía cilantro a manojos para el público, todo esto para llegar al momento cumbre de la noche, en que Lara destruiría también la tabla sobre la que asesinó a la pareja protagonista. Cabe decir que la tabla era una laptop Mac, misma que, una vez hecha pedazos, fue repartida entre el público como si se tratara de una iniciación un culto satánico (¿qué cosa hay más satánica que alguien que destruye una Mac vestido de mariachi con ruido como fondo?). Daniel Lara se lució, por cierto, regalando también el mandil del sacrificio. Posteriormente, una mariachi güera entró para provocar al público, arremetiendo con un poco patriótico “¡Viva México Cabrones!” a un público que palidecía en comparación. Tras cerrar con algo que parecía una balada a gritos, Fat Mariachi, habiendo quemado absolutamente todas sus naves en menos de treinta minutos, se salió del escenario sin llevarse nada, dejando la primera fila hecha un desastre de circuitos, pedazos de piña de papel y cilantro.

Kazuyuki Kishino, también conocido como KK Null, tuvo en sus manos al público durante todo el tiempo que tocó, a quien bombardeó con sonidos sumamente duros, otros más espaciados, loops que marcaban ritmos que encendían al público de golpe. Null desplegó todo su arsenal, absolutamente todo, y cualquier sonido que generaba era seguido con atención por el público. Una cosa a notar de Null es que era muy difícil seguirle la pista, todos los sonidos que procesaba iban y venían y uno tenía que estar al tanto. Ya de por sí es muy difícil seguir con detenimiento un disco de KK Null, pues a su trabajo hay que agregar el refinado proceso de producción, y en este caso las cosas no se hacían más sencillas. Null se presentó como un bloque muy duro y muy sólido imposible traspasar, y uno, desde el nivel del público, tenía que ver cómo este bloque iba pasando por diferentes fases, haciéndose todavía más fuerte. Y mientras Null se engrandecía, se iba haciendo más y más grande, el público veía como este monstruo de la música iba llenando más y más el Lunario con una marejada de sonido perfectamente nítido, que en su limpieza ponía una verdadera prueba de fuego a los asistentes, que no pensaron, con muchos discos y videos que hayan podido ver de KK Null, que esta avalancha de cambios de sonido, ritmos, volumen y gritos pudieran ser tan avasallantes. KK Null nubló el ambiente de todo el Lunario, lo lleno de sonido, lo movió con sonido, hizo flotar y fluir al público, lo paralizó, le inyectó energía a borbotones y luego le obligó a detener el flujo. Así como Null hacía una serie de decisiones tan enérgicas en su presentación, manipulando el sonido, el público era movido por Null al mismo tiempo. Detrás de su mesa, con tan sólo dispositivos electrónicos y un micrófono, Null manejó a todo el Lunario, con algunos movimientos de manos y perillas, y cuando terminó dejó que todo se fuera apagando casi por sí sólo, para así retirarse en medio de una ovación gigantesca.

Piensen en los discos de Boredoms que han escuchado, en los videos de Youtube que han visto, con mejor o peor definición de imagen y sonido, piensen en lo que han leído sobre aquellos proyectos un poco más difíciles de absorber vía video o mp3, como el proyecto Boadrum, piensen en la presentación de Yamataka en Radar en el 2008, piensen en todos los rumores que circulan acerca de la dinámica de esta banda en el escenario, piensen en lo que debe ser una presentación de Boredoms a juzgar tan sólo por lo que pueden hacer sus integrantes en solitario, piensen en todas las reseñas de conciertos de Boredoms que han leído en internet, tomen todo lo bueno que saben o han escuchado de ellos, multiplíquenlo todas las veces que crean necesario y no van a estar ni siquiera cerca de lo que fue la experiencia de Boredoms en el Lunario. Ni siquiera los que estuvimos ahí tenemos mucha idea de lo que realmente ocurrió. Boredoms, una de las bandas más solicitadas de Radar desde que se comenzó a traer artistas de avant-rock (Fantômas, Thurston Moore, Melt Banana), fue una experiencia tan abrumadora, tan físicamente demandante, que incluso escribir al respecto parece fútil. Cuando Yamataka Eye, Yoshimi P-We, Hisham y Butchy salieron al escenario, nadie sospechaba lo que se venía. Empezando con Yamataka tocando las Sevenas, que son un par de guitarras de siete cuellos (una de ellas de Telecaster) que se tocan como instrumentos de percusión, los tres bateristas empezaron un golpeteo brutal, pero quedaba una batería libre, demasiado lejos de la zona de acción de Yamataka como para que fuera suya, fue entonces cuando, por un extremo detrás del Lunario, entró Yojiro Tatekawa, tocando la batería ¡sobre una tarima cargada por cuatro personas!, que dio vueltas entre el público hasta quedar frente a Eye, con quien intercambiaba palabras a gritos mientras tocaba la batería fuerte, rápido, como a zancadas. Entonces, una vez cerca del escenario, Yojiro saltó y se incorporó al círculo de cuatro baterías que seguiría, por no menos de dos horas, las instrucciones de Yamataka, las cuales daba a través de los palos con los que tocaba la sevena (verde para tocar y naranja para marcar cambios), mediante movimientos de las manos, todo el cuerpo. Esto es lo más claro de lo que puede decirse que hizo Boredoms en el escenario durante el enorme rato que tocaron. Dentro de todo eso, quienes se lo hayan perdido (literalmente, perdido), tendrán que usar la imaginación mezclando a cuatro bateristas a los que los adjetivos les quedaron cortos, una serie de gritos, chillidos, canto, coros (tanto de Yamataka como de Yoshimi P-We), guitarrazos, saltos, cambios de ritmo súbitos, mucho procesamiento electrónico de voz y efectos pero sobre todo, una sincronización per-fec-ta, todo esto, repito, por no menos de dos horas. El sonido de Boredoms fue tan perfecto que había momentos, tras horas de estar moviendo la cabeza, el cuello o las piernas, en que uno simplemente se quedaba inmóvil. Tras salir a tocar un encore, su sonido fue mucho más delicado y sutil, en donde las baquetas se cambiaron por unas más suaves, en el que se tocó sobre una base sonora que simulaba lluvia, en el que los platillos apenas se sugerían. En todos los conciertos de avant-rock de Radar en los que he estado, pienso en la gente armándole bronca a Melt Banana, al público convertido en ola cuando Thurston Moore reclamaba a alguien para ser lanzado a la batería de Wiliam Winant, a un coro de fanáticos enloquecidos de Mike Patton y créanme, en serio, créanme, nadie ha armado lo que armó Boredoms hace unas cuantas horas, nadie ha hecho a la gene gritar como gritó, saltar como saltó, emocionarse tantas veces como lo hicieron a través de todas las pausas y cambios de ritmo. En todo este párrafo realmente no he dicho gran cosa, y si hay que resumir la presentación de Boredoms dentro de Radar, con todas las reservas, creo que podría definirse como “algo que, definitivamente, no va a volver a pasar”, y quienes estuvieron allí, lo saben.

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MEMORIA DE LA ANIMACIÓN MEXICANA, UNA RETROSPECTIVA

2010-03-21T15:19:00.000-07:00

Animasivo exhibe una selección de cortos, en tres programas, que no abarca lo más destacado y representativo de la animación nacional, pero sí lo más conocido. Comenzamos con las primeras producciones surgidas en la década de los 30 en el estudio AVA. Y aunque influenciados por los cortometrajes estadounidenses de la época, estos filmes ya comenzaban a mostrar elementos propios de la cultura nacional.

También se mostrarán algunos de los cortos anticomunistas maquilados en nuestro país durante la década de los 50 y que son evidencias de la Guerra Fría y de los inicios de la maquila animada en México.

Así mismo, se proyectarán filmes que retomaban a personajes surgidos en los comics, como es el caso de Un diablillo Angelical y Los Supermachos, que en su momento tuvieron un importante significado en la sociedad mexicana.

En el segundo programa de esta retrospectiva, se podrán apreciar diversos trabajos que intentaban darle impulso a la animación nacional con esfuerzos independientes y resultados artísticos variados. Veremos producciones de Fernando Tames, Carlos Carrera y Dominique Jonard, entre otros, representantes de este movimiento independiente que lograron diversos reconocimientos para el cine animado mexicano.

La retrospectiva termina con un recorrido por diversos trabajos que muestran los más variados conceptos y técnicas desde puntos de vista distintos. Por ejemplo, la metáfora sobre las diferencias sociales de El Muro, de Sergio Arau o Pronto saldremos del problema de Jorge Ramírez Suárez; el lado cómico de Feggo quien otorga al american way of life el toque mexicano en Crónicas de Manhatitlan; finalizando con la extraña historia que narra Malapata de Ulises Guzmán y el cortometraje de animación mexicana más premiado de la historia, el excelente Hasta los huesos, de René Castillo, que nos mostrará un lado desconocido de la muerte.

Por María Celeste Vargas Martínez y Daniel Lara Sánchez (Los Anima-Dos)

Memorias de la animación mexicana, del 20 al 22 de marzo, Cinemark Reforma, varios horarios.

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VISIONADOS

2010-03-21T14:03:00.000-07:00

Obras y artistas llegan a nuestro país para hacer de las suyas en las pantallas mexicanas. Con la nueva sección “Visionados”, Animasivo ofrecerá al público producciones de diversos países, pertenecientes a los festivales más importantes del mundo, con el fin de acercar lo mejor de la animación en otras latitudes.

Sólo basta animarse para hacer un viaje alrededor del mundo en 124 cortometrajes, acompañados por personajes de papel, de plastilina o de pixeles. Queda prohibido aburrirse, arrepentirse o quedar indiferentes. Ajusten sus cinturones y que empiece el viaje.

London International Animation Festival (Inglaterra)

Desde el viejo continente llega una selección de diversas producciones animadas, las cuales muestran técnicas y estilos diferentes que van de los trazos sencillos de A Tale About the Animation Image, que recuerda a las viejas producciones de principios del siglo pasado, a la visión experimental de Swich o The Life Size Zoetrope, donde la acción real da paso a la animación según la visión del dispositivo en forma de tambor que surgiera en 1834.

Aunque el espectador también podrá apreciar la historia llena de color, vida y música que una serie de animales crean en Musicotherapie, o la animación sencilla, con trazos a lápiz sobre un fondo blanco de los dos personajes que recrean un momento de su vida a través de una conversación en el corto de Sandra Ensby, Thorowaway. Pasando por The Tiny Fish, Three Love Stories, el cortometraje del mexicano Gustavo Arteaga, Rapunzel’s Flight, hasta llegar a Muto, de Blu, que demuestra cómo una pared no sólo puede dar cabida a los grafitis sino a personajes animados.

Festival Internacional de Animación de Córdoba (Argentina)

Las ideas creativas y proponentes se dan cita en este programa, llegado directamente desde tierras pamperas. Creaciones de Gil Alkabetz y Andreas Hykade, entre otros, llegan para mostrar al espectador los mundos diversos en los cuales cada artista deposita su imaginación, origina una historia y con talento da vida a aquello que pudiera no tenerlo.

Santiago “Bou” Grasso, nos dirá, con una técnica en 2D, que al final todo ser humano está a la disposición de otro, no importando cual sea el papel que desarrollo en su entorno. Mientras la visión futurista de S11, donde un agente secreto tiene la intención de promover Oficiales Máquinas contra el gobierno, desatará un conflicto en una ciudad de por sí caótica.

Además, podremos conocer desde los relatos surrealistas acompañados de bandas sonoras sugerentes, como El aroma del té, de Michael Dudok de Wit, en el que seremos testigos del viaje de una molécula del té o la animación realizada con materiales distintos a los tradicionales, como Papirossy, de Otto Alder, corto filmado usando cajetillas de cigarros, o la analogía animada entre los timbres postales y la película cinematográfica de Post Mark Lick, dirigida por Sonia Bridge, hasta la nostalgia por los sueños de los años 60, representados en Yo conocí a la Morsa, cinta novedosa que anima las palabras dichas por John Lennon en una entrevista de 1969, pasando por la fantasía corpórea de Los Caracoles de Joseph, filme en stop-motion de Sophie Roze.

No faltará el dibujo animado tradicional, con La sílfide, que reflexiona, mediante un relato ágil, sobre la familia y las reglas sociales. También se presentará La Ollera, cortometraje que recibiera mención especial en este festival por el correcto manejo de la técnica empleada por Juan Manuel Costa.

Festival Internacional de Cine De Animación, ANNECY (Francia)

El festival más destacado dentro del mundo de la animación exhibe excelentes opciones para visitar la sala cinematográfica. De tal manera que Milen Vatanov llegará a México con la interesante propuesta My Happy End, donde un estilizado perro podrá mantener la atención del espectador en ese mundo de papel al que pertenece. Después disfrutaremos de la singular propuesta del croata Veljko Popovic, Ona Koja Mjeri, animación que se acerca a diversas técnicas plasmando el extraño mundo que plantea al espectador.

En Skhizein se mostrarán los cambios que pueden ocurrir en la vida diaria de un hombre cuando un meteorito transforma su mundo. Y con La Dama en el Umbral, tercera producción en 3D de Jorge Dayas, basada en un relato del escritor Gaston Leroux, entenderemos por qué el amor no siempre es lo que debería ser.

Ars Electronica-Programa de animación 2009 (Austria)

Desde Austria llegarán producciones con tintes experimentales, sofisticadas técnicas e historias diversas. The Nest That Sailed The Sky, con música de Peter Gabriel, desplegará una animación artística de brillante técnica.

Y del estudio polaco Platige Image, nominado al Oscar por The Cathedral, presentará, bajo la dirección de Michal Socha, Chick, que con animación en fondos rojos y personajes en siluetas negras, narra la historia de una cita: ella se prepara para la ocasión. Vino, cigarros y algo más puede suceder.

Aunque también acompaña a este programa el excelente corto de Fabrice O. Joubert, nominado al Oscar este año: French Roast. Magnifica técnica cuya historia se desarrolla entre la calle, un café, un ladrón, un vagabundo y un hombre que no sabe cómo pagar el café que ha bebido.

The Best on Interncational Trick Film Festival (Alemania)

La comicidad, la ternura, la inocencia, la reflexión sobre los derechos humanos y el cambio climático hacen presencia en los cortos que forman parte de esta selección, dividida en dos programas. Birdstrike, de Johaness Schiehsl, nos muestra qué pasaría si las aves fueran más poderosas que los aviones; Sperrholzpiraten y The Songwriter’s Shack se valen de la técnica de stop-motion para conmovernos con sus bien contadas historias; mientras que They will come to Town de Thilo Ewers nos impactará con su propuesta visual y su, aunque breve, poderosa reflexión sobre las consecuencias del cambio climático; Happy Birthday nos invitará a festejar los 60 años del establecimiento internacional de los derechos humanos y Boris Despodov se valdrá de la mezcla de diversas técnicas y formatos para recordarnos un relato de Chejov.

Por si fuera poco, también veremos Hot Dog, tercer episodio de la serie DOG, animación tradicional a lápiz de color, pondrá al descubierto las cómicas peripecias de ese pequeño perro que en esta ocasión se une a los bomberos para salvar a las personas de los incendios… aunque el final nunca es el esperado.

Por su parte, Kristian Andrews, presentará Rabbit Punch, cortometraje con el cual se graduó en la Maestría. Interesante producción debido a las técnicas empleadas.

Ottawa International Animation Festival (Canadá)

Este programa abre justamente con la entrada oficial de este prestigioso festival, la cual nos hará bailar en nuestros asientos. Entre otros materiales que se presentarán, podremos disfrutar de la novedosa propuesta de Mark Newland, quien en el corto Tortalolio decidió animar tarjetas postales y… lo logró; nos reiremos a carcajadas con el hilarante filme The Terrible Thing og Alpha-9!, de Jake Armstrong, que nos mostrará cómo los monstruos espaciales no son siempre como los imaginamos; viajaremos al tiempo en que no existían los celulares ni la internet y los enamorados se comunicaban mediante el telégrafo, en el excelente Love on the Line de Melissa Gracian.

Nuestros sentidos se verán trastocados y será imposible no reaccionar ante la propuesta visual de Mac the Horny Mac Daddy, de Ian Miller, fábula sexual que no niega la influencia recibida por El Gato Fritz de Bakshi; también veremos el futurista Please Say Something, que con sus grafismos sencillos pero punzantes nos harán ver de manera diferente las relaciones entre ratones y gatos, sin dejar de mencionar el flipbook-comic animado The Black Dog’s Progress, de Stephen Irwin, y su alegoría de la violenta sociedad actual.

Festival Internacional de Animación Animamundi (Brasil)

Las preocupaciones sociales permean los materiales que representan a este prestigiado festival. Esto nos recuerda que para tener un mejor futuro, primero hay que ver bien nuestro presente. Y para ello, la propuesta visual, colorida y directa de Tyger, de Guilherme Marcondes, nos transporta a un poema de William Blakes acompañados por una banda sonora rítmica y galopante. Por su parte, Vida María de Marcio Ramos, corto multipremiado en diversas partes del mundo, nos narra la historia de una niña que deberá abandonar la escuela para trabajar y… crecer; Ratos de Rua nos llevará a reflexionar sobre la condición infantil en nuestros días y Pax nos mostrará una visión un tanto ecuménica sobre la violencia mundial.

Pero también disfrutaremos de música, que no podía faltar en un programa brasileño, con Qualquer nota, de Marcelo Ribeiro, entre otras manifestaciones artísticas animadas del país más alegre del continente americano.

Por María Celeste Vargas Martínez y Daniel Lara Sánchez (Los Anima-Dos)

Visionados, del 20 al 22 de marzo, Cinemark Reforma, a partir de las 15:30 hrs.

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GASOLINA, VIDA CON VIOLENCIA

2010-03-21T13:17:00.000-07:00

Gasolina es un retrato de la vida cotidiana de tres adolescentes guatemaltecos que llevan una vida aburrida, sin sobresaltos ni grandes proyectos, pero que al mismo tiempo está atravesada por la violencia e impunidad características de la posguerra en Guatemala. A lo largo de la película seguimos a tres chicos que se mueven por la ciudad visitando familiares o amigos e intentando pequeños negocios turbios para obtener gasolina y continuar su recorrido. En ese recorrido iremos observando diferentes maneras en que la violencia se manifiesta en las relaciones entre amigos, familiares y clases sociales. Esta violencia se expresa de manera física, principalmente en actos leves como pequeñas riñas pero en otras ocasiones en acciones tan graves como para desconcertar por completo a los protagonistas. Sin embargo, es en el lenguaje donde la violencia tiene una de sus expresiones mejor logradas. Cerote (pedazo de mierda), pizado, come mierda, culero, hueco (maricón), me cogí a tu hermana son algunos de los típicos términos que integran el lenguaje grosero, agresivo, machista y racista que utilizan los jóvenes de las clases medias y sectores populares en la capital guatemalteca.

Su excesiva repetición al igual que algunos actos violentos que se muestran en la película no deben ser leídos como decisiones gratuitas o desmedidas del director sino como un reflejo bastante logrado de la sociedad guatemalteca. Si en los últimos años los medios audiovisuales guatemaltecos han estado principalmente interesados en mostrar a los pobres, los mareros y los políticos como los principales ejecutores de violencia, esta película tiene la virtud de mostrar que la violencia atraviesa todos los sectores de la sociedad de diferentes maneras. Y además, que este fenómeno puede ser retratado no sólo a través de escenas épicas y grotescas o con un sentido directamente político sino también en momentos aparentemente absurdos. Queda la duda sobre la intención del director Gasolina ¿Es una crítica o una simple constatación de la desesperanza y agresividad característica de la juventud y la sociedad guatemalteca? Para tratar de responderla, o al menos llegar a algún punto de la discusión, sólo tendremos un única oportunidad de verla en Cinema Global: mañana domingo 21 de marzo a las 16 hrs. en el Centro Cultural Universitario Tlatelolco, Av. Flores Magón 1 entre Reforma y el Eje Central.

Domingo 21 de marzo, 16:00 rs. Centro Cultural Universitario Tlatelolco.

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[IN] POSICIÓN DINÁMICA LAA

2010-03-21T12:58:00.000-07:00

Despliegue tecnológico, desarrollo, estructura, material, función. El pasado miércoles 17 de marzo se inauguró esta muestra en el Laboratorio de Arte Alameda en medio de una gran afluencia de asistentes.

Cuatro piezas de una monumental labor de montaje y funcionamiento tecnológico. El espacio en condiciones óptimas para tal despliegue muestra de forma gradual distintos tipos de experimentación del goce tecnológico.

Desde la entrada puede percibirse la experiencia estética, visual y material de una escultura a gran escala. Hylozoic Soil (Philip Beesley) de primera apariencia orgánica, esta realizada con materiales tecnológicos que forman una matriz lumínica inmersiva que materializa y replica la belleza de algunas formas encontradas en la biología y la naturaleza.

A continuación se ubica un cuarto oscuro dónde se ejecuta Zee de Kurt Hentschläger, la experiencia perceptiva y sensorial está a punto de ser potenciada en un espacio acondicionado con humo artificial, pulsos repentinos de luz intensa y sonido. La asistencia a esta pieza rebasó totalmente las expectativas con una gran fila para ingresar a vivenciar tal experiencia extrasensorial.

En las salas contiguas están colocadas las otras dos piezas restantes no menos importantes; la primera, Corpora In Si(gh)te exhibe un complejísimo trabajo de censos, flujo de datos, captura en video en tiempo real y realidad aumentada. Mediciones y traducciones gráficas en modelos tridimensionales mezclados con el registro en video del paisaje arquitectónico circundante.

Por último, Solar es una estructura interactiva de grandes cualidades mecánicas y robóticas. Réplica estructural (de impecable producción y funcionamiento) del sistema solar en el cual la presencia y peso de los asistentes en un punto específico activan la posición de la luz del sol y su incidencia en alguna latitud de planeta.

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[IN] POSICIÓN DINÁMICA CCE

2010-03-21T12:33:00.000-07:00

Burbujas que viajan en una red compleja de mangueras que penden del techo, proyecciones de nodos y redes, insectos que cobran vida con una máquina de escribir, un tapete interactivo de helices en plena vía pública, son algunos detalles de las piezas que es posible disfrutar en la exposición del Centro Cultural de España. El pasado miércoles 17 de marzo se inauguró la muestra entre organizadores, curiosos, asiduos a las actividades del centro histórico y aficionados a las artes y la tecnología.

La participación activa del público o de algún agente es vital para la concreción de las obras.

Telefonias MX del artista argentino Mariano Sandón funciona a partir del registro, conteo y actividad del uso de celulares y telecomunicaciones en el área del Zócalo.

Life writer de Christa Sommerer & Laurent Mignonneau por otro lado, es una pieza metafórica sobre lo orgánico y lo digital, lo análogo y lo mecánico, la materia y la representación, la vida artificial activada por códigos de lenguaje, insectos volando con alas hechas de luz.

La exhibición puede ser transitada con calma, las piezas están colocadas de manera estratégica a lo largo del espacio, vale mucho la pena visitarlas y ser parte integral de su desarrollo.

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